IM GRÜNEN BEREICH

Fausto Grossi — Jolanda Jansen — Susanna Pruna — Carlos Tejo

Donnerstag / Thursday, 28.05.2026, 19 bis 22:30 Uhr / 7–10:30 p.m.

Photo: Beate Linne, 2020

Fausto Grossi

Fausto Grossi wurde 1954 in Italien geboren. Er wuchs inmitten von Zeitschriften, Zeitungen, Comics, Enzyklopädien, Fotoromanen, Büchern und vielem mehr im Zeitungskiosk seiner Familie in Arce auf, einem Dorf tief in der ländlichen Gegend der Ciociaria zwischen Rom und Neapel. Dies weckte seine Neugier, sein Wissensbedürfnis und den Wunsch, ein erfülltes und leidenschaftliches Leben zu führen.

Das Wesentliche in Faustos Leben und seinem künstlerischen Schaffen ist es, zu kommunizieren, aufzutreten, zu kochen und Dinge des Alltags aufzuzeigen, die normalerweise unbemerkt bleiben, in denen jedoch Ethik und Ästhetik zusammenfließen. Er widmet sich vor allem der Poesie, unter anderem durch Skulptur, Aktionskunst, Mail-Art, visuelle Poesie und Kooperationen mit Kunst- und Poesiepublikationen, darunter das Magazin für visuelle Poesie Veneno, das New-Dada-Journal MAINTENANT, das halbjährlich erscheinende Poesiemagazin Touroum Bouroum, T.A.Z. (Tiny Art Zine), herausgegeben von Vittore Baroni und Brain Cell von Ryosuke Cohen.

Die Performance ist in der Poesie beheimatet, und die Poesie ist in der Performance beheimatet – als ein Paradoxon, das die Bedeutung nicht verschließt, sondern erweitert. Es ist die Liebe in jenem zerbrechlichen Raum-Zeit-Kontinuum, das sich zwischen Geburt und Tod erstreckt. Das Dasein ist weder mehr noch weniger als Poesie, die Gestalt annimmt. Für ihn besteht das einzige Vorhaben, das wir als Menschen haben, darin, zu leben, und alles, was wir in unserem Leben als „Vorhaben“ bezeichnen, sind lediglich Strategien, die es uns ermöglichen, dieses einzigartige Vorhaben – nämlich zu leben – zu verwirklichen.

Grossi hat an unzähligen Veranstaltungen auf der ganzen Welt teilgenommen, darunter in Frankreich, Spanien, Deutschland, Portugal, Italien, Polen, Österreich, der Schweiz, Estland, Argentinien, Ungarn, Brasilien, den USA, Nordirland, Kanada, Mexiko, Kolumbien, Serbien, China, der Inneren Mongolei, Thailand, den Philippinen und Vietnam.

Fausto Grossi was born in Italy in 1954. He grew up surrounded by the magazines, newspapers, comics, encyclopedias, photo novellas, books and much more at the family newsstand in Arce, a village deep in the countryside of Ciociaria, between Rome and Naples. This aroused his curiosity, the need to know and live a full and passionate life. 

The essence of Fausto’s life and his life in art is communicating, performing, cooking, showing things in everyday life that normally go unnoticed, but where ethics and aesthetics converge. He dedicates himself mainly to poetry, including through sculpture, action art, mail art, visual poetry and collaborations with art and poetry publications, including the magazine of visual poetry Veneno, the New Dada Journal MAINTENANT, the semi-annual poetry magazine Touroum Bouroum, T.A.Z. (Tiny Art Zine), edited by Vittore Baroni, and Brain Cell by Ryosuke Cohen.

Performance inhabits poetry, and poetry inhabits performance as a paradox, a paradox that does not close off meaning, but expands it. It is love in that fragile space-time stretched between birth and death. Existence is neither more nor less than poetry taking shape. For him, the only project we have as human beings is to live, and everything we call “projects” in our lives are simply strategies that allow us to weave this singular project, which is to live.

Grossi has been participated in countless events around the world, including in France, Spain, Germany, Portugal, Italy, Poland, Austria, Switzerland, Estonia, Argentina, Hungary, Brazil, the U.S., Northern Ireland, Canada, Mexico, Colombia, Serbia, China, Inner Mongolia, Thailand, the Philippines, and Vietnam.

For more information, see: https://pastaypizzagrossi.com/blog/spazio-grossi/

Photo: Ilka Theurich  Starptelpa, 2024

Jolanda Jansen

Jolanda Jansen (NL) schloss ihr Studium an der Königlichen Kunstakademie in Den Haag (2005) ab und absolvierte anschließend ein Aufbaustudium am Dutch Art Institute in Enschede (2007). Sie ist eine multidisziplinäre Künstlerin in den Bereichen Performancekunst, Installation und Videokunst und gehört dem Performancekunst-Kollektiv Residue (Niederlande) sowie den Künstlerkollektiven Out of Site und Residu Performance Art Workgroup an.

In ihren sorgfältig durchdachten, aber direkten Performances unterzieht Jolanda ihren Körper verschiedenen Verwandlungen – oder besser gesagt: Verformungen –, um sich mit der Möglichkeit der Selbstneugestaltung und der Befreiung von kulturellen Determinanten auseinanderzusetzen. Ihre jüngsten Performances beginnen mit Erde als Material und Zeuge zugleich; dabei nutzt sie den direkten Kontakt ihres Körpers mit der Erde, um Zyklen der Regeneration, der Erinnerung und der Wachstumsenergie zu erforschen. Mit diesen Aktionen möchte sie die innige Verbindung zwischen der menschlichen Präsenz und dem Boden, der uns trägt, sichtbar machen und die Betrachter dazu einladen, darüber nachzudenken, wie Bewegung, Berührung und Ort in den Handlungen des Schaffens und Werdens zusammenfließen. In diesem Bewusstseinszustand offenbart sich Wachstum nicht als Kraft, sondern als eine subtile, beharrliche Bewegung hin zum Werden: dort, wo Spannung auf Entspannung trifft, wo Verletzlichkeit zu Stärke wird.

Ihre Video- und Performancearbeiten wurden international präsentiert, unter anderem im Guggenheim, Bilbao (Spanien), in der Defibrillator Gallery, Chicago (USA), in der Nan-Hai Gallery (Taipei), bei Residency Unlimited New York (USA), auf der Scope Basel (Schweiz), im Cel 32, Berlin (Deutschland), im Arnolfini, Bristol (Großbritannien), Warschauer Internationales Performance-Kunst-Wochenende (Polen), Solyanka Gallery Moskau (Russland), Venedig Performance-Kunst-Woche (Italien), Manggha-Museum Krakau (Polen), Morni Hills Performance Art Biennale II, Government Museum, Chandigarh (Indien), Performancear O MORIR (Mexiko), Jang An Gallery Suncheon (Korea), BACC Bangkok (Thailand), perfocraZe International Artist Residency Kumasi (Ghana) und Riga Performance Festival (Lettland).

Jolanda Jansen (NL) graduated from the Royal Academy of Art in The Hague (2005) followed by post graduate studies at the Dutch Art Institute in Enschede (2007). She is a multidisciplinary artist in the fields of performance art, installation and video art, and is part of the performance art collective Residue (Netherlands), the artist collectives Out of Site, and the Residu Performance Art Workgroup.

In her carefully constructed but direct performances, Jolanda submits her body to various transformations, or rather deformations, to engage with the possibility of self-reinvention and release from cultural determinations. Her most recent performances begin with soil as both material and witness, using her body in direct contact with earth to explore cycles of regeneration, memory, and the energy of growth. Through these actions, she aims to reveal the intimate connection between human presence and the ground that sustains us, inviting viewers to consider how movement, touch, and place converge in acts of making and becoming. In this state of awareness, growth reveals itself not as force, but as a subtle, persistent movement toward becoming: where tension meets release, where vulnerability turns into strength.

Her video and performance work has been featured internationally, including at: Guggenheim, Bilbao (Spain), Defibrillator Gallery, Chicago (U.S,), Nan-Hai Gallery (Taipei), Residency Unlimited New York (U.S.), Scope Basel (Switzerland), Cel 32, Berlin (Germany), Arnolfini, Bristol (U.K.), Warsaw International Performance Art Weekend (Poland), Solyanka Gallery Moscow (Russia), Venice Performance art week (Italy), Manggha Museum Krakow (Poland), Morni Hills Performance Art Biennale-II, Government Museum, Chandigarh (India), Performancear O MORIR (Mexico), Jang An Gallery Suncheon (Korea), BACC Bangkok (Thailand), perfocraZe International Artist Residency Kumasi (Ghana), and Riga Performance Festival (Latvia).

For more information, see: https://new.jolandajansen.nl

Photo: Asli Bolayir Lefkoşa Biennial, 2026

Susanna Pruna

Susanna Pruna ist eine bildende und Performance-Künstlerin, deren Arbeit die Beziehung zwischen Körper und Stimme als lebendigen Raum erforscht und soziale sowie politische Fragen aus einer kritischen Perspektive beleuchtet. Sie betrachtet den Körper als einen Raum der Erfahrung, der Erinnerung und der Transformation und versteht Performance als einen Ort, an dem sich Kunst, Handeln und Leben überschneiden.

Ihre frühen Arbeiten entstanden in der Malerei, wo der Körper bereits als Form und Struktur präsent war. Sie bezog ihren eigenen Körper in die Werke ein – indem sie ihn auf die Leinwand übertrug, Kleidungsstücke in die Oberfläche einnähte und körpereigene Materialien wie Haare verwendete –, und schuf so Werke, an denen oft auch andere beteiligt waren. Diese Dimension dehnte sich allmählich über den Bildraum hinaus auf die Performance aus, was es ihr ermöglichte, zuvor fragmentierte Elemente zusammenzuführen und Situationen zu schaffen, in denen sich Körper, Stimme und Erfahrung in Echtzeit entfalten.

In ihrer Arbeit fungiert die Performance als eine Form des Wissens und als eine am Körper verankerte Denkweise. Sie untersucht die Kluft zwischen körperlicher Erfahrung und Sprache sowie die Möglichkeit einer Neuformulierung. Das Publikum wird nicht als passiver Zuschauer positioniert, sondern als eine Präsenz, die wahrnehmen, reagieren und sich einbringen kann.

Ihre Arbeiten wurden international in Galerien, auf Festivals und an Universitäten präsentiert, unter anderem in Barcelona, Madrid, Berlin, München, Serbien, den USA und Zypern. Im Jahr 2018 wurde sie von der Brown University (USA) eingeladen, die Performance „Guardian Women“ zu präsentieren und am Kolloquium „The World is Feminine“ teilzunehmen. Im Jahr 2025 eröffnete sie die Lefkoşa Biennale (Zypern) mit der Performance „No Man’s Land“.

Sie ist Autorin des Bandes „El cuerpo partido. Poemas sin piel“ (2021) und hat einen Forschungsschwerpunkt entwickelt, der sich mit Performance als Form des Wissens befasst. 

Susanna Pruna, is a visual and performance artist, whose practice explores the relationship between body and voice as a living territory, addressing social and political questions through a critical perspective. She approaches the body as a space of experience, memory, and transformation, and understands performance as a site where art, action, and life intersect.

Her early work developed in painting, where the body was already present as form and structure. She incorporated her own body into the work—tracing it onto canvas, sewing garments into the surface, and using bodily materials such as hair—creating pieces that often involved the participation of others. This dimension gradually extended beyond the pictorial space into performance, which allowed her to bring together previously fragmented elements and to create situations where body, voice, and experience unfold in real time. 

In her work, performance operates as a form of knowledge and a mode of thinking grounded in the body. She investigates the gap between bodily experience and language, as well as the possibility of re-articulation. The audience is not positioned as a passive viewer, but as a presence that may perceive, respond, and take part.

Her work has been presented in galleries, festivals, and universities internationally, including in Barcelona, Madrid, Berlin, Munich, Serbia, the U. S., and Cyprus. In 2018, she was invited by Brown University (U.S.) to present the performance Guardian Women and participate in the colloquium “The World is Feminine.” In 2025, she inaugurated the Lefkoşa Biennial (Cyprus) with the performance No Man’s Land.

She is the author of El cuerpo partido. Poemas sin piel (2021) and has developed an ongoing line of research focused on performance as a form of knowledge.          

For more information, see: http://susannapruna.com

Photo: New Space Arts Foundation, 2025

Carlos Tejo

Die kritische Auseinandersetzung mit Begriffen wie Grenzen, sexueller Identität, künstlerischen Eliten und Emigration ist ein wiederkehrendes Element in meinen Performances. Werke wie „Rights and Silences“, „Stretching“, „Nation“ und „Forced Union“ beschäftigen sich mit diesen Themen, die oft in persönlichen Erfahrungen verwurzelt sind. Anstatt pauschale Aussagen zu treffen, orientiert sich meine Arbeit an gelebten Situationen und nutzt diese, um Grenzen und Annahmen zu hinterfragen. Die Entscheidung für die Performance als Medium rückt einen an den Rand des Kunstsystems und bringt Entscheidungen mit sich, die das Werk von Märkten und großen Institutionen distanzieren. In diesem Sinne nimmt die Performance eine politische Haltung gegenüber dem künstlerischen Establishment ein. Mein Interesse an dieser Disziplin beschränkt sich jedoch nicht auf ihr politisches Potenzial; mich ziehen auch ihre Unmittelbarkeit, ihre Wirkung und die Intensität der gemeinsamen Präsenz in ihren Bann. Ich bevorzuge einfache Darbietungen ohne ausgefeilte technische Mittel und setze stattdessen auf Energie und direkte Kommunikation. „Weniger ist mehr“ ist mein Leitmotiv sowohl im Leben als auch in der Arbeit.

Carlos Tejo begann seine künstlerische Laufbahn 1991, zeitgleich mit seinem Abschluss in Bildender Kunst an der Polytechnischen Universität Valencia. Vier Jahre später erhielt er ein bedeutendes Stipendium und zog nach Havanna, wo er fast ein Jahr lang blieb. Diese Erfahrung führte zu einer Wandlung seines Schaffens von der abstrakten Malerei hin zu einem eher narrativen und figurativen Ansatz. Der Körper und die Intimität rückten in den Mittelpunkt. Der Schaffensprozess gewann Vorrang vor dem fertigen Objekt, während Themen wie Zeit, Vergänglichkeit und gesellschaftspolitische Fragen in den Vordergrund traten.

Aufenthalte in den 1990er Jahren führten ihn nach São Paulo, Warschau, Paris und Köln. Zwischen 2000 und 2002 lebte er abwechselnd in Spanien und den USA, insbesondere in Seattle, wo er seine fotografische Praxis vertiefte und ein Interesse an Performance entwickelte. Seit 2006 konzentriert sich seine Arbeit neben Fotografie, Klangkunst und Video vor allem auf Performance.

Critical reflection on concepts such as borders, sexual identity, artistic elites, and emigration is a recurring tool in my performances. Works like Rights and Silences, Stretching, Nation, and Forced Union explore these themes, often rooted in personal experience. Rather than making broad claims, my work stays close to lived situations and uses them to question limits and assumptions. Choosing performance as a medium puts one at the margins of the art system, implying decisions that distance the work from markets and major institutions. In this sense, performance carries a political stance against the artistic establishment. However, my interest in the discipline is not limited to its political potential; I am also drawn to its immediacy, impact, and the intensity of shared presence. I favor simple performances without sophisticated technical resources, relying instead on energy and direct communication. “Less is more” guides both my life and my work.

Carlos Tejo began his artistic career in 1991, coinciding with his Fine Arts degree from the Polytechnic University of Valencia. Four years later, he received a major grant and moved to Havana, where he stayed for nearly a year. This experience transformed his practice from abstract painting toward a more narrative and figurative approach. The body and intimacy became central. Process took precedence over the finished object, while themes such as time, ephemerality, and sociopolitical issues emerged. 

Residencies in the 1990s took him to São Paulo, Warsaw, Paris, and Cologne. Between 2000 and 2002, he lived between Spain and the U.S., notably in Seattle, where he deepened his photographic practice and developed an interest in performance. Since 2006, his work has centered on performance, alongside photography, sound art, and video.

For more information, see: https://carlostejo.com/es/

von/by

Shirin Sayarinejad

Eröffnung / Opening: Donnerstag / Thursday, 12.02.2026, 18 bis 22 Uhr / 6–10 p.m.

Freitag, den 13.02.2026 + Samstag, den 14.02.2026 / Friday, 13.02. 2026 + Saturday, 14.02.2026, 18 bis 20 Uhr / 6 to 8 p.m.

Sonntag | Sunday, den 15.02.2026, 17 bis 19 Uhr / 5 to 7 p.m.

Die Ausstellung wurde zusammengestellt im Kontext meiner Biografie, sodass ausgesuchte Werke mit biografischen Inhalten und über verschiedene Phasen und Zeiten hinweg erstellt, in Zusammenhang gebracht und zeitlich in die Gegenwart projiziert werden. Dies sind überwiegend malerische, collagierte Arbeiten.

This exhibition was compiled in the context of my biography, so that selected works with biographical content, created across different phases and periods, are brought together and projected into the present. The works are predominantly painterly and collaged.

von | by Julie Matthées

Eröffnung / Opening: Donnerstag | Thursday, 05.02.2026, 18 bis 22 Uhr | 6–10 p.m.

Freitag / Friday, den 06.02.2026 bis | to Sonntag, den 08.02.2026, je 15 bis 19 Uhr | 3–7 p.m.

Scham erklärt sich nicht.  / Sie ist einfach da.

Ich habe versucht sie, sichtbar zu machen. / Frei von ihr zu sein. / Aber das ist das Problem. / Sie bleibt. / Sie kontrolliert. 

Wenn wir Scham abbauen wollen, müssen wir sie aushalten. / Über sie sprechen.

Aber jetzt gerade bin ich erschöpft. / Von dem ständigen reflektieren meiner Scham.

Shame on me ist eine persönliche und künstlerische Auseinandersetzung mit einer Emotion, die alle spüren, aber kaum drüber reden. Sie bewegt sich zwischen Selbstportraits, Interviews und Bewegtbild. Sie fragt: Was ist Scham? Wie fühlt sie sich an? Wie lässt sie sich darstellen? Welche Macht hat sie in unserer Gesellschaft – und ist es möglich sie abzubauen? 

Der Kurzfilm Sonnenschein ist die Hauptarbeit der Ausstellung. Er ist der Versuch einen Umgang mit Scham zu finden und sie vielleicht sogar annehmen zu können. Gleichzeitig ist er ein Rückblick auf Momente, die von Scham geprägt waren.

Im Film tauchen immer wieder analoge Selbstportraits auf, die während der letzten zwei Jahre meist spontan in meiner Küche entstanden sind. Sie zeigen eine Version von mir, die nur in diesem Augenblick existierte. Die Inszenierung war minimal, der Prozess kurz – oft nur weniger Sekunden. Und wenn ich den Film ins Labor gab wusste ich schon gar nicht mehr was mich erwarten würde. Außer das hoffentlich mein Gesicht drauf sein würde. 

Die Ausstellung bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen dem Wunsch nach Offenheit und der Frage wie viel des Gezeigten wirklich schamlos und frei existiert – oder ob am Ende nicht doch jede Darstellung von Scham eine Form von Inszenierung ist. Denn Scham kann nie ganz ohne den Blick anderer existieren.

Bio: Julie Matthées wurde in Berlin geboren und studierte bis 2026 intermediale Fotografie bei Prof. Peggy Buth an der Kunsthochschule Kassel. Seit 2023 ist Julie Stipendiatin der Studienstiftung des deutschen Volkes. Von Oktober 2024 bis Januar 2025 war they Resident im Filmhaus Basel. Matthées arbeitet vor allem in einem auto-soziobiografisch und thematisiert in deren Arbeiten gesellschaftspolitische Themen wie Feminismus, psychische Erkrankungen und Familienstrukturen. 

Shame on Me is a personal and artistic exploration of an emotion that everyone feels but hardly ever talks about. It moves between self-portraits, interviews, and moving images. It asks: What is shame? How does it feel? How can it be represented? What power does it have in our society—and can it be overcome? 

The short film Sonnenschein (Sunshine) is the main work in the exhibition. It is an attempt to find a way of dealing with shame and perhaps even accepting it. At the same time, it is a look back at moments that were marked by shame.

The film repeatedly features analog self-portraits, most of which were taken spontaneously in my kitchen over the last two years. They show a version of me that existed only in that moment. The staging was minimal, the process short —often lasting just a few seconds. And when I sent the film to the lab, I had no idea what to expect. Except that, hopefully, my face would be on it. 

The exhibition moves in a field of tension between the desire for openness and the question of how much of what is shown really exists shamelessly and freely—or whether, in the end, every representation of shame is a form of staging. Because shame can never exist entirely without the gaze of others.

Biography: Julie Matthées was born in Berlin and studied intermedia photography with Prof. Peggy Buth at the Kunsthochschule Kassel until 2026. Since 2023, Julie has been a scholarship holder of the German National Academic Foundation. From October 2024 to January 2025, they were a resident at Filmhaus Basel. Matthées works primarily in an auto-socio-biographical mode and addresses sociopolitical issues such as feminism, mental illness, and family structures in their work.

January 23, 2026

Eröffnung / Opening: Donnerstag / Thursday, 29.01.2026, 18 bis 22 Uhr / 6–10 p.m.

Freitag / Friday, den 30.01.2026, 17 bis 20 Uhr / 5–8 p.m.

Samstag / Saturday, 31.01.2026, 17 bis 20 Uhr / 5–8 p.m.

Sonntag / Sunday, 01.02.2026, 17 bis 20 Uhr / 5–8 p.m.

The artist first coined the term Post-American in 2016 when the earliest iterations of the series began to form. The proposition, the artist states, of a Post-American condition is as much an emotional state as an implied political vantage.

DEVON was born in Youngstown, OH in 1987 and grew up during the material collapse of the US steel industry, which devastated local economies. Bearing witness to this break in the grand American narrative, the presentations of ideological loss have since informed her work, at once observational and sacrosanct. Moving both inside and outside of Americanness, DEVON’s work reflects the sentiments created by the failure of America’s promise, a complicated and spectacular contingency from which none of us are free. 

Der Begriff „Post-American“ wurde erstmals 2016 von der Künstlerin geprägt, als die ersten Iterationen der Serie entstanden. Die These einer postamerikanischen Situation ist laut der Künstlerin ebenso sehr ein emotionaler Zustand wie eine implizite politische Perspektive.

DEVON wurde 1987 in Youngstown, Ohio, geboren und wuchs während des materiellen Zusammenbruchs der US-Stahlindustrie auf, der die lokale Wirtschaft zerstörte. Als Zeugin dieses Bruchs in der großen amerikanischen Erzählung prägen seitdem Darstellungen ideologischer Verluste ihre Arbeit, die zugleich beobachtend und sakrosankt ist. DEVONs Werk bewegt sich sowohl innerhalb als auch außerhalb der Amerikanizität und spiegelt die Gefühle wider, die durch das Scheitern des amerikanischen Versprechens entstanden sind – eine komplizierte und spektakuläre Kontingenz, der sich keiner von uns entziehen kann. 

Von / By Kamilla Ingibergsdóttir

I Saw Colors in the Dark ist Kamilla Ingibergsdóttirs erste Solo-Ausstellung in Berlin

I Saw Colors in the Dark is Kamilla Ingibergsdóttir’s first solo exhibition in Berlin

Eröffnung / Opening: Donnerstag /Thursday, 24.07.2025, 18–22:00 / 6–10 p.m. (mit Sound Performance um 19:00 / with sound performance at 7 p.m.)
Freitag / Friday, 25.07.2025, 16–19:00 / 4–7 p.m. 
Samstag / Saturday, 26.07.2025, 13–17:00 / 1–5 p.m. 
Sonntag / Sunday, 27.07.2025, 13–17:00 / 1–5 p.m.

Mit Hilfe von Papiercollagen und Doppelbelichtungsfilmen erforscht Kamilla die Schnittstelle zwischen Traum und Wirklichkeit, Spiritualität und Alltäglichem. Die ausgestellten Werke sind das Ergebnis ihrer Reise – durch die Trauer und die unvermeidliche Leere, mit der wir uns alle irgendwann im Leben auseinandersetzen müssen – hin zu neuen Horizonten.

Through paper collages and double exposure film photography Kamilla explores the intersection between dream and reality, spirituality and the mundane. The works exhibited are the result of her journey – through grief and the inevitable void that we all have to face at some point in our lives – towards new horizons.

By / Von Alice Stella

Im Rahmen von / As part of 48h Neukölln 2024

Freitag / Friday, den 27.06.2025, 19 bis 23 Uhr / 7–11 p.m.

Samstag / Saturday, 28.06.2025, 16 bis 22 Uhr / 4–10 p.m.

(mit Musik von / with music by Aljoscha Samain um / at 19:30 / 7:30)

Sonntag / Sunday, 29.06.2025, 14 bis 19 Uhr / 2–7 p.m.

The images portray emptiness, isolation, and emotional distance — moments suspended in time, where warmth fades and a quiet, distant stillness takes its place. Each frame captures solitude and disconnection, evoking fragments of memory and inner transitions. An intimate and universal reflection on what is left when love disappears into silence.

Die Bilder zeigen Leere, Isolation und emotionale Distanz – Momente, die in der Zeit stehen bleiben, in denen die Wärme verblasst und eine ruhige, ferne Stille ihren Platz einnimmt. Jedes Bild fängt Einsamkeit und Trennung ein und ruft Erinnerungsfragmente und innere Übergänge hervor. Eine intime und universelle Reflexion darüber, was übrigbleibt, wenn die Liebe in der Stille verschwindet.

Alice Stella

Italian photographer based in Berlin. Her research focuses on interpersonal connections, the unpredictable nature of human relationships, and the trust that underpins human interaction. Her photographs reflect the complexity and quiet melancholy of emotional dynamics.

Italienische Fotografin mit Wohnsitz in Berlin. Ihre Forschung konzentriert sich auf zwischenmenschliche Verbindungen, die unvorhersehbare Natur menschlicher Beziehungen und das Vertrauen, das der menschlichen Interaktion zugrunde liegt. Ihre Fotografien spiegeln die Komplexität und stille Melancholie emotionaler Dynamiken wider.

Aljoscha Samain

Artist from Berlin, working across music, photography, and design. As a multi-instrumentalist, his current focus is on refining sound through a hands-on, practical approach — aiming for clarity, simplicity, and character. His music evolves through ongoing exploration rather than being based on fixed ideas.

Künstler aus Berlin, der in den Bereichen Musik, Fotografie und Design arbeitet. Als Multi-Instrumentalist liegt sein derzeitiger Schwerpunkt auf der Verfeinerung von Klängen durch einen praktischen Ansatz – mit dem Ziel, Klarheit, Einfachheit und Charakter zu erreichen. Seine Musik entwickelt sich durch ständiges Erforschen, anstatt auf festen Ideen zu basieren.

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Auch zu sehen sind Arbeiten von / Works by the following artists will also be exhibited – Amy J. Klement, ANN – Institut für visuelle Freude, und/and Nanako Shikata

AOr Nopawan Sirivejkul, Beate Linne, Mongkol Plienbangchang

Donnerstag / Thursday, 29 Mai / May 2025, 19:00–22:00

AOr Nopawan Sirivejkul 

Aor Nopawan Sirivejkul, born in Bangkok in 1968, is a Thai performance artist, and is considered to be one of the most dedicated and active of them. Beyond her performances, she has conceptualized and organized her own performance art event with Mongkol Plienbangchang called “blurborders International performance art eXchange.” Nopawan was the project manager for ASIATOPIA in 2000–04, 2008, 2010, and 2012–17.

She has performed and exhibited internationally since 2002 at global performance art festivals, including in Japan, Korea, China, Taiwan, México, Canada, Norway, Germany, Finland, Spain, Ukraine, the Czech Republic, Slovakia, Poland, Israel, Singapore, Indonesia, Malaysia, the Philippines, Myanmar, Sri Lanka, and India. As part of the cultural exchange program between Quebec and Bangkok, she was one of the artists selected by the Bangkok Art and Culture Centre to represent the city in 2016. She was invited to Bangkok Art Biennale 2022 to show her photo, video, and live performance art.

Her practice spans various mediums ranging from photography to performances. In her work, she weaves together the mixed narratives between both beauty and dryness in life. Furthermore, she hopes to invite viewers to contemplate humanity’s violence and alienating impulses.

Aor Nopawan Sirivejkul, 1968 in Bangkok geboren, ist eine thailändische Performance-Künstlerin und gilt als eine der engagiertesten und aktivsten unter ihnen. Neben ihren Performances hat sie zusammen mit Mongkol Plienbangchang ihre eigene Performance-Kunst-Veranstaltung namens „blurborders International performance art eXchange“ konzipiert und organisiert. Nopawan war Projektmanagerin für ASIATOPIA in den Jahren 2000-04, 2008, 2010 und 2012-17.

Seit 2002 ist sie auf internationalen Performance-Kunstfestivals aufgetreten und ausgestellt, unter anderem in Japan, Korea, China, Taiwan, Mexiko, Kanada, Norwegen, Deutschland, Finnland, Spanien, der Ukraine, der Tschechischen Republik, der Slowakei, Polen, Israel, Singapur, Indonesien, Malaysia, den Philippinen, Myanmar, Sri Lanka und Indien. Im Rahmen des Kulturaustauschprogramms zwischen Quebec und Bangkok war sie eine der Künstlerinnen, die vom Bangkok Art and Culture Centre ausgewählt wurden, um die Stadt 2016 zu vertreten. Sie wurde zur Bangkok Art Biennale 2022 eingeladen, um ihre Foto-, Video- und Live-Performance-Kunst zu zeigen.

Ihre Praxis umfasst verschiedene Medien, von der Fotografie bis hin zu Performances. In ihrer Arbeit verwebt sie die gemischten Erzählungen zwischen Schönheit und Trockenheit im Leben. Darüber hinaus hofft sie, den Betrachter zum Nachdenken über die Gewalt und die entfremdenden Impulse der Menschheit anzuregen.

https://www.facebook.com/aor.nopawan

Beate Linne

Beate Linne, 1967 in Deutschland geboren, ist interdisziplinäre Künstlerin. Ihre Konzepte finden Ausdruck in Performance und Installationen, in die auch Video-und Soundarbeiten integriert sind. Das Sammeln von insbesondere natürlichen Materialen wie z.B. Haar, Insekten und Pflanzen stellt einen wichtigen Teil ihres Schaffens dar. Durch die intensive Auseinandersetzung mit den Materialen, entsteht eine besondere Beziehung zwischen ihnen und der Künstlerin, die den Arbeiten eine besondere Intensität verleiht. Das Material besitzt einen symbolischen Charakter, der die Bildsprache ihrer Arbeiten unterstützt. In diesen untersucht sie die Kernfragen des Menschseins. Den Kreislauf von Werden und Vergehen, das Verhältnis zwischen Menschen und Natur, sowie deren Koexistenz. Die Dichotomie, die Dualität des Menschen – als Kulturwesen auf der einen und Tier auf der anderen Seite –, bestimmt den Blick der Künstlerin auf die Welt. Ihre Arbeiten können als poetische Kompositionen verstanden werden, die zu Assoziationen stimulieren, aber auch in ihrer Gesamtheit als Anregung zur Auseinandersetzung mit dem metamorphen Prozess der Welt, dienen. 

Ihre Arbeiten wurden in Museen, Galerien und Festivals in Europa, Asien und Latein Amerika gezeigt. Das Reisen und der Austausch mit anderen Menschen, sowie die Zusammenarbeit mit Künstlern aus verschiedenen Disziplinen und Kulturen sind ein bereicherndes Element für ihr künstlerisches Schaffen. Neben diesem war sie Kuratorin mehrerer internationaler Performance-Festivals und ist Gründerin des Vereins NO W HERE, der es sich zur Aufgabe macht, Kunst im ländlichen Raum zu fördern und international zu vernetzen.

Beate Linne, born in Germany in 1967, is an interdisciplinary artist. Her concepts find expression in performance and installations, in which video and sound works are also integrated. Collecting natural materials in particular, such as hair, insects and plants, is an important part of her work. The intensive engagement with the materials creates a special relationship between them and the artist, which lends the works a particular intensity. The material has a symbolic character that supports the visual language of her works. In them, she examines the core questions of being human. The cycle of growth and decay, the relationship between humans and nature, as well as their coexistence. The dichotomy, the duality of man—as a cultural being on the one hand and an animal on the other—determines the artist’s view of the world. Her works can thus be understood as poetic compositions that stimulate associations, but also serve in their entirety as a stimulus to deal with the metamorphic process of the world. 

Her works have been shown in museums, galleries and festivals in Europe, Asia and Latin America. Traveling and the exchange with other people, as well as the collaboration with artists from different disciplines and cultures are an enriching element for her artistic work. In addition to this, she has curated several international performance festivals and is the founder of the NO W HERE association, which aims to promote art in rural areas and create international networks.

Beatelinne.blogspot.com

Mongkol Plienbangchang

Mongkol was born in Bangkok in 1965 and has been doing performance art since 1995. He is the director of “blurborders international performance art eXchange” in cooperation with Aor Nopawan Sirivejkul. He is an alternative artist who does many art activities about social problems. During the 30 years of his performance art, he has been invited to festivals in both Thailand and abroad, including in Germany, Norway Poland, Ukraine, Slovakia, Hungary, Czech Republic, New York, Quebec, Mexico, China, Japan, South Korea, Taiwan, Hong Kong, Indonesia, The Philippines, Vietnam, Malaysia, Singapore, India, and Myanmar. 

In his performance art, Mongkol use his body and objects to transform in-between social chaos, political attitudes, poaching, and interaction. In and out of his mind, performance resembles the poetry of life poetry, as conditions vary in terms of time and space and spectacular decline.

Mongkol wurde 1965 in Bangkok geboren und macht seit 1995 Performance-Kunst. Er ist der Direktor von „blurborders international performance art eXchange“ in Zusammenarbeit mit Aor Nopawan Sirivejkul. Er ist ein alternativer Künstler, der viele Kunstaktionen zu sozialen Problemen durchführt. In den 30 Jahren seiner Performancekunst wurde er zu Festivals in Thailand und im Ausland eingeladen, darunter in Deutschland, Norwegen, Polen, der Ukraine, der Slowakei, Ungarn, der Tschechischen Republik, New York, Quebec, Mexiko, China, Japan, Südkorea, Taiwan, Hongkong, Indonesien, den Philippinen, Vietnam, Malaysia, Singapur, Indien und Myanmar.

In seiner Performance-Kunst setzt Mongkol seinen Körper und seine Objekte ein, um sich zwischen sozialem Chaos, politischen Haltungen, Wilderei und Interaktion zu verwandeln. In und aus seinem Kopf heraus ähnelt die Performance der Poesie des Lebens, da die Bedingungen in Bezug auf Zeit und Raum und den spektakulären Verfall variieren.

https://www.facebook.com/mongkol.plienbangchang.1

von Shirin Sayarinejad

Vernissage am
Donnerstag, den 13.02.2025, 18 bis 21 Uhr
Thursday, February 13, 2025, 6 to 9 p.m.

Gesichter sind für uns Menschen die wichtigsten Auslöser für Mustererkennung.* Dabei ist es belanglos woher ein Mensch stammt, oder welche Attribute er mitbringt.
Dies scheint mir gerade jetzt zu Zeiten von Hass und Hetzte eines der wichtigsten Aspekte meiner Arbeit zu sein. Ich möchte hiermit daran erinnern, was uns tatsächlich zu Menschen macht.
Jeder Mensch ist vom Leben gezeichnet. Vertieft man sich in diese Linien, Flächen und Falten, fangen die Strukturen an sich aufzulösen. Was bleibt ist ein Charakterzug, eine Momentaufnahme einer Stimmung, was uns den Zugang zum Wesenszug von Menschlichkeit ermöglicht: nämlich die Fähigkeit mitzufühlen. Dabei geht es mir weniger um eine fotorealistische Darstellung, als vielmehr um den Kontakt zur Persönlichkeit.
Deshalb komm vorbei – ich zeichne dich.

• Vgl. https://www.quarks.de/gesellschaft/psychologie/gesichter-darum-sehen-wir-sie-ueberall/ und https://www.spektrum.de/magazin/wie-das-gehirn-gesichter-erkennt/1736684

For people, faces are the most important trigger for recognizing patterns.* Where a person comes from or what attributes he or she brings has no relevance in this.
Particularly today, at a time of so much hate and the stirring up of hatred, this seems to me to be one of the most important aspects of my work. With the works in this presentation, I would therefore like to remind people of what actually makes us human.
Every person is marked by life. When one becomes engrossed in these lines, surfaces, and wrinkles, the structures begin to dissolve. What remains is a character trait, a snapshot of a mood that facilitates access for us to the essential characteristic of humanity: namely the ability to empathize. When producing these portraits, what interests me is not so much a photorealistic rendering as contact to the particular personality.
So, come by—and let me draw you.

• See https://www.quarks.de/gesellschaft/psychologie/gesichter-darum-sehen-wir-sie-ueberall/ and https://www.spektrum.de/magazin/wie-das-gehirn-gesichter-erkennt/1736684

Muthanna Idiab präsentiert:

Eröffnung am Samstag, 05. Oktober von 16:00 Uhr – 22:00 Uhr

Opening on Saturday, October 05 from 4:00 pm – 10:00 pm

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Tufting Work-shops / kunstvolle Teppiche selber knüpfen !

Bringt gerne eure Freunde mit und habt gemeinsam Spaß an der modernen Form eines tausenden Jahren alten Kunsthandwerks.

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Tufting work-shops / knot your own artistic carpets!

Bring your friends and have fun together with this modern form of a thousand-year-old handicraft.

 von / from

Ana Catarina Moura

Öffnungszeiten:

Donnerstag (Eröffnung) 19-22 Uhr, Freitag, Samstag und Sonntag 16-19 Uhr.

Opening Times:

Thursday (opening) 7–10 p.m., and on Friday and Saturday and Sunday 4–7 p.m.

Going to the beach and looking at the ocean has always been part of my life. It is a way of reflecting or connecting with my deeper self. The feeling of looking at the ocean is the feeling of being connected with something that is endless and infinite – but only until Morocco.

The project On the other side of the sea is an attempt to connect with that which exists on the other side of the sea from Algarve, Portugal. Through the work, I approach and explore the visual and cultural languages of Morocco.

Ana Catarina Moura is a Portuguese artist, interested in the intersections between art, aesthetics, philosophy, curation and education.

German version (by Chat GPT):

„Zum Strand zu gehen und auf das Meer zu blicken, war schon immer ein Teil meines Lebens. Es ist eine Möglichkeit, nachzudenken und eine Verbindung zu meinem inneren Selbst herzustellen. Der Blick auf das Meer vermittelt das Gefühl, mit etwas Endlosem und Unendlichem verbunden zu sein – jedoch nur bis nach Marokko.

Das Projekt Auf der anderen Seite des Meeres ist ein Versuch, eine Verbindung zu dem herzustellen, was auf der anderen Seite des Meeres von der Algarve, Portugal, existiert. Durch diese Arbeit nähere ich mich den visuellen und kulturellen Sprachen Marokkos an und erkunde sie.“

„Ana Catarina Moura ist eine portugiesische Künstlerin, die sich für die Schnittstellen zwischen Kunst, Ästhetik, Philosophie, Kuratierung und Bildung interessiert.“