Fausto Grossi — Jolanda Jansen — Susanna Pruna — Carlos Tejo
Donnerstag / Thursday, 28.05.2026, 19 bis 22:30 Uhr / 7–10:30 p.m.
Photo: Beate Linne, 2020
Fausto Grossi
Fausto Grossi wurde 1954 in Italien geboren. Er wuchs inmitten von Zeitschriften, Zeitungen, Comics, Enzyklopädien, Fotoromanen, Büchern und vielem mehr im Zeitungskiosk seiner Familie in Arce auf, einem Dorf tief in der ländlichen Gegend der Ciociaria zwischen Rom und Neapel. Dies weckte seine Neugier, sein Wissensbedürfnis und den Wunsch, ein erfülltes und leidenschaftliches Leben zu führen.
Das Wesentliche in Faustos Leben und seinem künstlerischen Schaffen ist es, zu kommunizieren, aufzutreten, zu kochen und Dinge des Alltags aufzuzeigen, die normalerweise unbemerkt bleiben, in denen jedoch Ethik und Ästhetik zusammenfließen. Er widmet sich vor allem der Poesie, unter anderem durch Skulptur, Aktionskunst, Mail-Art, visuelle Poesie und Kooperationen mit Kunst- und Poesiepublikationen, darunter das Magazin für visuelle Poesie Veneno, das New-Dada-Journal MAINTENANT, das halbjährlich erscheinende Poesiemagazin Touroum Bouroum, T.A.Z. (Tiny Art Zine), herausgegeben von Vittore Baroni und Brain Cell von Ryosuke Cohen.
Die Performance ist in der Poesie beheimatet, und die Poesie ist in der Performance beheimatet – als ein Paradoxon, das die Bedeutung nicht verschließt, sondern erweitert. Es ist die Liebe in jenem zerbrechlichen Raum-Zeit-Kontinuum, das sich zwischen Geburt und Tod erstreckt. Das Dasein ist weder mehr noch weniger als Poesie, die Gestalt annimmt. Für ihn besteht das einzige Vorhaben, das wir als Menschen haben, darin, zu leben, und alles, was wir in unserem Leben als „Vorhaben“ bezeichnen, sind lediglich Strategien, die es uns ermöglichen, dieses einzigartige Vorhaben – nämlich zu leben – zu verwirklichen.
Grossi hat an unzähligen Veranstaltungen auf der ganzen Welt teilgenommen, darunter in Frankreich, Spanien, Deutschland, Portugal, Italien, Polen, Österreich, der Schweiz, Estland, Argentinien, Ungarn, Brasilien, den USA, Nordirland, Kanada, Mexiko, Kolumbien, Serbien, China, der Inneren Mongolei, Thailand, den Philippinen und Vietnam.
Fausto Grossi was born in Italy in 1954. He grew up surrounded by the magazines, newspapers, comics, encyclopedias, photo novellas, books and much more at the family newsstand in Arce, a village deep in the countryside of Ciociaria, between Rome and Naples. This aroused his curiosity, the need to know and live a full and passionate life.
The essence of Fausto’s life and his life in art is communicating, performing, cooking, showing things in everyday life that normally go unnoticed, but where ethics and aesthetics converge. He dedicates himself mainly to poetry, including through sculpture, action art, mail art, visual poetry and collaborations with art and poetry publications, including the magazine of visual poetry Veneno, the New Dada Journal MAINTENANT, the semi-annual poetry magazine Touroum Bouroum, T.A.Z. (Tiny Art Zine), edited by Vittore Baroni, and Brain Cell by Ryosuke Cohen.
Performance inhabits poetry, and poetry inhabits performance as a paradox, a paradox that does not close off meaning, but expands it. It is love in that fragile space-time stretched between birth and death. Existence is neither more nor less than poetry taking shape. For him, the only project we have as human beings is to live, and everything we call “projects” in our lives are simply strategies that allow us to weave this singular project, which is to live.
Grossi has been participated in countless events around the world, including in France, Spain, Germany, Portugal, Italy, Poland, Austria, Switzerland, Estonia, Argentina, Hungary, Brazil, the U.S., Northern Ireland, Canada, Mexico, Colombia, Serbia, China, Inner Mongolia, Thailand, the Philippines, and Vietnam.
For more information, see: https://pastaypizzagrossi.com/blog/spazio-grossi/
Photo: Ilka Theurich Starptelpa, 2024
Jolanda Jansen
Jolanda Jansen (NL) schloss ihr Studium an der Königlichen Kunstakademie in Den Haag (2005) ab und absolvierte anschließend ein Aufbaustudium am Dutch Art Institute in Enschede (2007). Sie ist eine multidisziplinäre Künstlerin in den Bereichen Performancekunst, Installation und Videokunst und gehört dem Performancekunst-Kollektiv Residue (Niederlande) sowie den Künstlerkollektiven Out of Site und Residu Performance Art Workgroup an.
In ihren sorgfältig durchdachten, aber direkten Performances unterzieht Jolanda ihren Körper verschiedenen Verwandlungen – oder besser gesagt: Verformungen –, um sich mit der Möglichkeit der Selbstneugestaltung und der Befreiung von kulturellen Determinanten auseinanderzusetzen. Ihre jüngsten Performances beginnen mit Erde als Material und Zeuge zugleich; dabei nutzt sie den direkten Kontakt ihres Körpers mit der Erde, um Zyklen der Regeneration, der Erinnerung und der Wachstumsenergie zu erforschen. Mit diesen Aktionen möchte sie die innige Verbindung zwischen der menschlichen Präsenz und dem Boden, der uns trägt, sichtbar machen und die Betrachter dazu einladen, darüber nachzudenken, wie Bewegung, Berührung und Ort in den Handlungen des Schaffens und Werdens zusammenfließen. In diesem Bewusstseinszustand offenbart sich Wachstum nicht als Kraft, sondern als eine subtile, beharrliche Bewegung hin zum Werden: dort, wo Spannung auf Entspannung trifft, wo Verletzlichkeit zu Stärke wird.
Ihre Video- und Performancearbeiten wurden international präsentiert, unter anderem im Guggenheim, Bilbao (Spanien), in der Defibrillator Gallery, Chicago (USA), in der Nan-Hai Gallery (Taipei), bei Residency Unlimited New York (USA), auf der Scope Basel (Schweiz), im Cel 32, Berlin (Deutschland), im Arnolfini, Bristol (Großbritannien), Warschauer Internationales Performance-Kunst-Wochenende (Polen), Solyanka Gallery Moskau (Russland), Venedig Performance-Kunst-Woche (Italien), Manggha-Museum Krakau (Polen), Morni Hills Performance Art Biennale II, Government Museum, Chandigarh (Indien), Performancear O MORIR (Mexiko), Jang An Gallery Suncheon (Korea), BACC Bangkok (Thailand), perfocraZe International Artist Residency Kumasi (Ghana) und Riga Performance Festival (Lettland).
Jolanda Jansen (NL) graduated from the Royal Academy of Art in The Hague (2005) followed by post graduate studies at the Dutch Art Institute in Enschede (2007). She is a multidisciplinary artist in the fields of performance art, installation and video art, and is part of the performance art collective Residue (Netherlands), the artist collectives Out of Site, and the Residu Performance Art Workgroup.
In her carefully constructed but direct performances, Jolanda submits her body to various transformations, or rather deformations, to engage with the possibility of self-reinvention and release from cultural determinations. Her most recent performances begin with soil as both material and witness, using her body in direct contact with earth to explore cycles of regeneration, memory, and the energy of growth. Through these actions, she aims to reveal the intimate connection between human presence and the ground that sustains us, inviting viewers to consider how movement, touch, and place converge in acts of making and becoming. In this state of awareness, growth reveals itself not as force, but as a subtle, persistent movement toward becoming: where tension meets release, where vulnerability turns into strength.
Her video and performance work has been featured internationally, including at: Guggenheim, Bilbao (Spain), Defibrillator Gallery, Chicago (U.S,), Nan-Hai Gallery (Taipei), Residency Unlimited New York (U.S.), Scope Basel (Switzerland), Cel 32, Berlin (Germany), Arnolfini, Bristol (U.K.), Warsaw International Performance Art Weekend (Poland), Solyanka Gallery Moscow (Russia), Venice Performance art week (Italy), Manggha Museum Krakow (Poland), Morni Hills Performance Art Biennale-II, Government Museum, Chandigarh (India), Performancear O MORIR (Mexico), Jang An Gallery Suncheon (Korea), BACC Bangkok (Thailand), perfocraZe International Artist Residency Kumasi (Ghana), and Riga Performance Festival (Latvia).
For more information, see: https://new.jolandajansen.nl
Photo: Asli Bolayir Lefkoşa Biennial, 2026
Susanna Pruna
Susanna Pruna ist eine bildende und Performance-Künstlerin, deren Arbeit die Beziehung zwischen Körper und Stimme als lebendigen Raum erforscht und soziale sowie politische Fragen aus einer kritischen Perspektive beleuchtet. Sie betrachtet den Körper als einen Raum der Erfahrung, der Erinnerung und der Transformation und versteht Performance als einen Ort, an dem sich Kunst, Handeln und Leben überschneiden.
Ihre frühen Arbeiten entstanden in der Malerei, wo der Körper bereits als Form und Struktur präsent war. Sie bezog ihren eigenen Körper in die Werke ein – indem sie ihn auf die Leinwand übertrug, Kleidungsstücke in die Oberfläche einnähte und körpereigene Materialien wie Haare verwendete –, und schuf so Werke, an denen oft auch andere beteiligt waren. Diese Dimension dehnte sich allmählich über den Bildraum hinaus auf die Performance aus, was es ihr ermöglichte, zuvor fragmentierte Elemente zusammenzuführen und Situationen zu schaffen, in denen sich Körper, Stimme und Erfahrung in Echtzeit entfalten.
In ihrer Arbeit fungiert die Performance als eine Form des Wissens und als eine am Körper verankerte Denkweise. Sie untersucht die Kluft zwischen körperlicher Erfahrung und Sprache sowie die Möglichkeit einer Neuformulierung. Das Publikum wird nicht als passiver Zuschauer positioniert, sondern als eine Präsenz, die wahrnehmen, reagieren und sich einbringen kann.
Ihre Arbeiten wurden international in Galerien, auf Festivals und an Universitäten präsentiert, unter anderem in Barcelona, Madrid, Berlin, München, Serbien, den USA und Zypern. Im Jahr 2018 wurde sie von der Brown University (USA) eingeladen, die Performance „Guardian Women“ zu präsentieren und am Kolloquium „The World is Feminine“ teilzunehmen. Im Jahr 2025 eröffnete sie die Lefkoşa Biennale (Zypern) mit der Performance „No Man’s Land“.
Sie ist Autorin des Bandes „El cuerpo partido. Poemas sin piel“ (2021) und hat einen Forschungsschwerpunkt entwickelt, der sich mit Performance als Form des Wissens befasst.
Susanna Pruna, is a visual and performance artist, whose practice explores the relationship between body and voice as a living territory, addressing social and political questions through a critical perspective. She approaches the body as a space of experience, memory, and transformation, and understands performance as a site where art, action, and life intersect.
Her early work developed in painting, where the body was already present as form and structure. She incorporated her own body into the work—tracing it onto canvas, sewing garments into the surface, and using bodily materials such as hair—creating pieces that often involved the participation of others. This dimension gradually extended beyond the pictorial space into performance, which allowed her to bring together previously fragmented elements and to create situations where body, voice, and experience unfold in real time.
In her work, performance operates as a form of knowledge and a mode of thinking grounded in the body. She investigates the gap between bodily experience and language, as well as the possibility of re-articulation. The audience is not positioned as a passive viewer, but as a presence that may perceive, respond, and take part.
Her work has been presented in galleries, festivals, and universities internationally, including in Barcelona, Madrid, Berlin, Munich, Serbia, the U. S., and Cyprus. In 2018, she was invited by Brown University (U.S.) to present the performance Guardian Women and participate in the colloquium “The World is Feminine.” In 2025, she inaugurated the Lefkoşa Biennial (Cyprus) with the performance No Man’s Land.
She is the author of El cuerpo partido. Poemas sin piel (2021) and has developed an ongoing line of research focused on performance as a form of knowledge.
For more information, see: http://susannapruna.com
Photo: New Space Arts Foundation, 2025
Carlos Tejo
Die kritische Auseinandersetzung mit Begriffen wie Grenzen, sexueller Identität, künstlerischen Eliten und Emigration ist ein wiederkehrendes Element in meinen Performances. Werke wie „Rights and Silences“, „Stretching“, „Nation“ und „Forced Union“ beschäftigen sich mit diesen Themen, die oft in persönlichen Erfahrungen verwurzelt sind. Anstatt pauschale Aussagen zu treffen, orientiert sich meine Arbeit an gelebten Situationen und nutzt diese, um Grenzen und Annahmen zu hinterfragen. Die Entscheidung für die Performance als Medium rückt einen an den Rand des Kunstsystems und bringt Entscheidungen mit sich, die das Werk von Märkten und großen Institutionen distanzieren. In diesem Sinne nimmt die Performance eine politische Haltung gegenüber dem künstlerischen Establishment ein. Mein Interesse an dieser Disziplin beschränkt sich jedoch nicht auf ihr politisches Potenzial; mich ziehen auch ihre Unmittelbarkeit, ihre Wirkung und die Intensität der gemeinsamen Präsenz in ihren Bann. Ich bevorzuge einfache Darbietungen ohne ausgefeilte technische Mittel und setze stattdessen auf Energie und direkte Kommunikation. „Weniger ist mehr“ ist mein Leitmotiv sowohl im Leben als auch in der Arbeit.
Carlos Tejo begann seine künstlerische Laufbahn 1991, zeitgleich mit seinem Abschluss in Bildender Kunst an der Polytechnischen Universität Valencia. Vier Jahre später erhielt er ein bedeutendes Stipendium und zog nach Havanna, wo er fast ein Jahr lang blieb. Diese Erfahrung führte zu einer Wandlung seines Schaffens von der abstrakten Malerei hin zu einem eher narrativen und figurativen Ansatz. Der Körper und die Intimität rückten in den Mittelpunkt. Der Schaffensprozess gewann Vorrang vor dem fertigen Objekt, während Themen wie Zeit, Vergänglichkeit und gesellschaftspolitische Fragen in den Vordergrund traten.
Aufenthalte in den 1990er Jahren führten ihn nach São Paulo, Warschau, Paris und Köln. Zwischen 2000 und 2002 lebte er abwechselnd in Spanien und den USA, insbesondere in Seattle, wo er seine fotografische Praxis vertiefte und ein Interesse an Performance entwickelte. Seit 2006 konzentriert sich seine Arbeit neben Fotografie, Klangkunst und Video vor allem auf Performance.
Critical reflection on concepts such as borders, sexual identity, artistic elites, and emigration is a recurring tool in my performances. Works like Rights and Silences, Stretching, Nation, and Forced Union explore these themes, often rooted in personal experience. Rather than making broad claims, my work stays close to lived situations and uses them to question limits and assumptions. Choosing performance as a medium puts one at the margins of the art system, implying decisions that distance the work from markets and major institutions. In this sense, performance carries a political stance against the artistic establishment. However, my interest in the discipline is not limited to its political potential; I am also drawn to its immediacy, impact, and the intensity of shared presence. I favor simple performances without sophisticated technical resources, relying instead on energy and direct communication. “Less is more” guides both my life and my work.
Carlos Tejo began his artistic career in 1991, coinciding with his Fine Arts degree from the Polytechnic University of Valencia. Four years later, he received a major grant and moved to Havana, where he stayed for nearly a year. This experience transformed his practice from abstract painting toward a more narrative and figurative approach. The body and intimacy became central. Process took precedence over the finished object, while themes such as time, ephemerality, and sociopolitical issues emerged.
Residencies in the 1990s took him to São Paulo, Warsaw, Paris, and Cologne. Between 2000 and 2002, he lived between Spain and the U.S., notably in Seattle, where he deepened his photographic practice and developed an interest in performance. Since 2006, his work has centered on performance, alongside photography, sound art, and video.
For more information, see: https://carlostejo.com/es/
