Performance Art Berlin-Bangkok

AOr Nopawan Sirivejkul, Beate Linne, Mongkol Plienbangchang

Donnerstag / Thursday, 29 Mai / May 2025, 19:00–22:00

AOr Nopawan Sirivejkul 

Aor Nopawan Sirivejkul, born in Bangkok in 1968, is a Thai performance artist, and is considered to be one of the most dedicated and active of them. Beyond her performances, she has conceptualized and organized her own performance art event with Mongkol Plienbangchang called “blurborders International performance art eXchange.” Nopawan was the project manager for ASIATOPIA in 2000–04, 2008, 2010, and 2012–17.

She has performed and exhibited internationally since 2002 at global performance art festivals, including in Japan, Korea, China, Taiwan, México, Canada, Norway, Germany, Finland, Spain, Ukraine, the Czech Republic, Slovakia, Poland, Israel, Singapore, Indonesia, Malaysia, the Philippines, Myanmar, Sri Lanka, and India. As part of the cultural exchange program between Quebec and Bangkok, she was one of the artists selected by the Bangkok Art and Culture Centre to represent the city in 2016. She was invited to Bangkok Art Biennale 2022 to show her photo, video, and live performance art.

Her practice spans various mediums ranging from photography to performances. In her work, she weaves together the mixed narratives between both beauty and dryness in life. Furthermore, she hopes to invite viewers to contemplate humanity’s violence and alienating impulses.

Aor Nopawan Sirivejkul, 1968 in Bangkok geboren, ist eine thailändische Performance-Künstlerin und gilt als eine der engagiertesten und aktivsten unter ihnen. Neben ihren Performances hat sie zusammen mit Mongkol Plienbangchang ihre eigene Performance-Kunst-Veranstaltung namens „blurborders International performance art eXchange“ konzipiert und organisiert. Nopawan war Projektmanagerin für ASIATOPIA in den Jahren 2000-04, 2008, 2010 und 2012-17.

Seit 2002 ist sie auf internationalen Performance-Kunstfestivals aufgetreten und ausgestellt, unter anderem in Japan, Korea, China, Taiwan, Mexiko, Kanada, Norwegen, Deutschland, Finnland, Spanien, der Ukraine, der Tschechischen Republik, der Slowakei, Polen, Israel, Singapur, Indonesien, Malaysia, den Philippinen, Myanmar, Sri Lanka und Indien. Im Rahmen des Kulturaustauschprogramms zwischen Quebec und Bangkok war sie eine der Künstlerinnen, die vom Bangkok Art and Culture Centre ausgewählt wurden, um die Stadt 2016 zu vertreten. Sie wurde zur Bangkok Art Biennale 2022 eingeladen, um ihre Foto-, Video- und Live-Performance-Kunst zu zeigen.

Ihre Praxis umfasst verschiedene Medien, von der Fotografie bis hin zu Performances. In ihrer Arbeit verwebt sie die gemischten Erzählungen zwischen Schönheit und Trockenheit im Leben. Darüber hinaus hofft sie, den Betrachter zum Nachdenken über die Gewalt und die entfremdenden Impulse der Menschheit anzuregen.

https://www.facebook.com/aor.nopawan

Beate Linne

Beate Linne, 1967 in Deutschland geboren, ist interdisziplinäre Künstlerin. Ihre Konzepte finden Ausdruck in Performance und Installationen, in die auch Video-und Soundarbeiten integriert sind. Das Sammeln von insbesondere natürlichen Materialen wie z.B. Haar, Insekten und Pflanzen stellt einen wichtigen Teil ihres Schaffens dar. Durch die intensive Auseinandersetzung mit den Materialen, entsteht eine besondere Beziehung zwischen ihnen und der Künstlerin, die den Arbeiten eine besondere Intensität verleiht. Das Material besitzt einen symbolischen Charakter, der die Bildsprache ihrer Arbeiten unterstützt. In diesen untersucht sie die Kernfragen des Menschseins. Den Kreislauf von Werden und Vergehen, das Verhältnis zwischen Menschen und Natur, sowie deren Koexistenz. Die Dichotomie, die Dualität des Menschen – als Kulturwesen auf der einen und Tier auf der anderen Seite –, bestimmt den Blick der Künstlerin auf die Welt. Ihre Arbeiten können als poetische Kompositionen verstanden werden, die zu Assoziationen stimulieren, aber auch in ihrer Gesamtheit als Anregung zur Auseinandersetzung mit dem metamorphen Prozess der Welt, dienen. 

Ihre Arbeiten wurden in Museen, Galerien und Festivals in Europa, Asien und Latein Amerika gezeigt. Das Reisen und der Austausch mit anderen Menschen, sowie die Zusammenarbeit mit Künstlern aus verschiedenen Disziplinen und Kulturen sind ein bereicherndes Element für ihr künstlerisches Schaffen. Neben diesem war sie Kuratorin mehrerer internationaler Performance-Festivals und ist Gründerin des Vereins NO W HERE, der es sich zur Aufgabe macht, Kunst im ländlichen Raum zu fördern und international zu vernetzen.

Beate Linne, born in Germany in 1967, is an interdisciplinary artist. Her concepts find expression in performance and installations, in which video and sound works are also integrated. Collecting natural materials in particular, such as hair, insects and plants, is an important part of her work. The intensive engagement with the materials creates a special relationship between them and the artist, which lends the works a particular intensity. The material has a symbolic character that supports the visual language of her works. In them, she examines the core questions of being human. The cycle of growth and decay, the relationship between humans and nature, as well as their coexistence. The dichotomy, the duality of man—as a cultural being on the one hand and an animal on the other—determines the artist’s view of the world. Her works can thus be understood as poetic compositions that stimulate associations, but also serve in their entirety as a stimulus to deal with the metamorphic process of the world. 

Her works have been shown in museums, galleries and festivals in Europe, Asia and Latin America. Traveling and the exchange with other people, as well as the collaboration with artists from different disciplines and cultures are an enriching element for her artistic work. In addition to this, she has curated several international performance festivals and is the founder of the NO W HERE association, which aims to promote art in rural areas and create international networks.

Beatelinne.blogspot.com

Mongkol Plienbangchang

Mongkol was born in Bangkok in 1965 and has been doing performance art since 1995. He is the director of “blurborders international performance art eXchange” in cooperation with Aor Nopawan Sirivejkul. He is an alternative artist who does many art activities about social problems. During the 30 years of his performance art, he has been invited to festivals in both Thailand and abroad, including in Germany, Norway Poland, Ukraine, Slovakia, Hungary, Czech Republic, New York, Quebec, Mexico, China, Japan, South Korea, Taiwan, Hong Kong, Indonesia, The Philippines, Vietnam, Malaysia, Singapore, India, and Myanmar. 

In his performance art, Mongkol use his body and objects to transform in-between social chaos, political attitudes, poaching, and interaction. In and out of his mind, performance resembles the poetry of life poetry, as conditions vary in terms of time and space and spectacular decline.

Mongkol wurde 1965 in Bangkok geboren und macht seit 1995 Performance-Kunst. Er ist der Direktor von „blurborders international performance art eXchange“ in Zusammenarbeit mit Aor Nopawan Sirivejkul. Er ist ein alternativer Künstler, der viele Kunstaktionen zu sozialen Problemen durchführt. In den 30 Jahren seiner Performancekunst wurde er zu Festivals in Thailand und im Ausland eingeladen, darunter in Deutschland, Norwegen, Polen, der Ukraine, der Slowakei, Ungarn, der Tschechischen Republik, New York, Quebec, Mexiko, China, Japan, Südkorea, Taiwan, Hongkong, Indonesien, den Philippinen, Vietnam, Malaysia, Singapur, Indien und Myanmar.

In seiner Performance-Kunst setzt Mongkol seinen Körper und seine Objekte ein, um sich zwischen sozialem Chaos, politischen Haltungen, Wilderei und Interaktion zu verwandeln. In und aus seinem Kopf heraus ähnelt die Performance der Poesie des Lebens, da die Bedingungen in Bezug auf Zeit und Raum und den spektakulären Verfall variieren.

https://www.facebook.com/mongkol.plienbangchang.1

Gezeichnet

von Shirin Sayarinejad

Vernissage am
Donnerstag, den 13.02.2025, 18 bis 21 Uhr
Thursday, February 13, 2025, 6 to 9 p.m.

Gesichter sind für uns Menschen die wichtigsten Auslöser für Mustererkennung.* Dabei ist es belanglos woher ein Mensch stammt, oder welche Attribute er mitbringt.
Dies scheint mir gerade jetzt zu Zeiten von Hass und Hetzte eines der wichtigsten Aspekte meiner Arbeit zu sein. Ich möchte hiermit daran erinnern, was uns tatsächlich zu Menschen macht.
Jeder Mensch ist vom Leben gezeichnet. Vertieft man sich in diese Linien, Flächen und Falten, fangen die Strukturen an sich aufzulösen. Was bleibt ist ein Charakterzug, eine Momentaufnahme einer Stimmung, was uns den Zugang zum Wesenszug von Menschlichkeit ermöglicht: nämlich die Fähigkeit mitzufühlen. Dabei geht es mir weniger um eine fotorealistische Darstellung, als vielmehr um den Kontakt zur Persönlichkeit.
Deshalb komm vorbei – ich zeichne dich.

For people, faces are the most important trigger for recognizing patterns.* Where a person comes from or what attributes he or she brings has no relevance in this.
Particularly today, at a time of so much hate and the stirring up of hatred, this seems to me to be one of the most important aspects of my work. With the works in this presentation, I would therefore like to remind people of what actually makes us human.
Every person is marked by life. When one becomes engrossed in these lines, surfaces, and wrinkles, the structures begin to dissolve. What remains is a character trait, a snapshot of a mood that facilitates access for us to the essential characteristic of humanity: namely the ability to empathize. When producing these portraits, what interests me is not so much a photorealistic rendering as contact to the particular personality.
So, come by—and let me draw you.

THE RUG OF BERLIN

Muthanna Idiab präsentiert:

Eröffnung am Samstag, 05. Oktober von 16:00 Uhr – 22:00 Uhr

Opening on Saturday, October 05 from 4:00 pm – 10:00 pm

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Tufting Work-shops / kunstvolle Teppiche selber knüpfen !

Bringt gerne eure Freunde mit und habt gemeinsam Spaß an der modernen Form eines tausenden Jahren alten Kunsthandwerks.

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Tufting work-shops / knot your own artistic carpets!

Bring your friends and have fun together with this modern form of a thousand-year-old handicraft.

On the other side of the sea

 von / from

Ana Catarina Moura

Öffnungszeiten:

Donnerstag (Eröffnung) 19-22 Uhr, Freitag, Samstag und Sonntag 16-19 Uhr.

Opening Times:

Thursday (opening) 7–10 p.m., and on Friday and Saturday and Sunday 4–7 p.m.

Going to the beach and looking at the ocean has always been part of my life. It is a way of reflecting or connecting with my deeper self. The feeling of looking at the ocean is the feeling of being connected with something that is endless and infinite – but only until Morocco.

The project On the other side of the sea is an attempt to connect with that which exists on the other side of the sea from Algarve, Portugal. Through the work, I approach and explore the visual and cultural languages of Morocco.

Ana Catarina Moura is a Portuguese artist, interested in the intersections between art, aesthetics, philosophy, curation and education.

German version (by Chat GPT):

„Zum Strand zu gehen und auf das Meer zu blicken, war schon immer ein Teil meines Lebens. Es ist eine Möglichkeit, nachzudenken und eine Verbindung zu meinem inneren Selbst herzustellen. Der Blick auf das Meer vermittelt das Gefühl, mit etwas Endlosem und Unendlichem verbunden zu sein – jedoch nur bis nach Marokko.

Das Projekt Auf der anderen Seite des Meeres ist ein Versuch, eine Verbindung zu dem herzustellen, was auf der anderen Seite des Meeres von der Algarve, Portugal, existiert. Durch diese Arbeit nähere ich mich den visuellen und kulturellen Sprachen Marokkos an und erkunde sie.“

„Ana Catarina Moura ist eine portugiesische Künstlerin, die sich für die Schnittstellen zwischen Kunst, Ästhetik, Philosophie, Kuratierung und Bildung interessiert.“

GELD

Kerstin Baudis – Sven Kalden  –  Maria Blanco

Gezeigt werden Werke zum Thema Geld, Wert und Wachstum.
Entstanden im Rahmen des Residenzprogramms
der Akademie für Suffizienz in Reckenthin

Works are shown on the subject of money, value, and growth.
Created as part of the residency program of
the Academy for Sufficiency in Reckenthin

VIDEO –  Kerstin Baudis

TELLY   –   Sven Kalden

EMBROIDERY  –  Maria Blanco

Eröffnung / Opening
Freitag / Friday, 06.09.2024
19 Uhr / 7 p.m. – 22 Uhr / 10 p.m.


Öffnungszeiten / Opening hours:
Samstag / Saturday, 07.09.2024
14 – 18 Uhr / 2 – 6 p.m.
Sonntag / Sunday, 08.09.2024
14 – 18 Uhr / 2 – 6 p.m.

Zum dies jährigen Thema ‘Geld‘ haben Kerstin Baudis, Sven Kalden und Maria Blanco, drei Wochen in der Akademie gelebt und gearbeitet. Nach der Präsentation der Arbeiten im Rahmen des Offenen Ateliers werden die entstandenen Arbeiten nun für drei Tage im IGB zu sehen sein.

* Sven Kalden beschäftigt sich mit Kerbhölzern aus Abfallmaterialien und schlägt vor, dieses historische Zahlungsmittel weiterhin zu nutzen, um geschäftliche Vereinbarungen zu treffen. * Kerstin Baudis visualisiert in ihrer Installation über ein Jahr verfolgte Börsenkurse und setzt sie in Bezug zur landwirtschaftlichen Arbeit. * Maria Blanco dokumentierte im Austausch mit den Bewohnern von Reckenthin Motive verschiedener Handarbeitstechniken und transformierte sie in eine neue Bildsprache.

E
 Kerstin Baudis, Sven Kalden and Maria Blanco spent three weeks living and working at the academy on this year’s theme of “Money’.” Following the presentation of their work as part of the Open Studio, the resulting works are will now be on display for three days at the IGB.

* Sven Kalden deals with tally sticks made from waste materials and proposes that this historical means of payment should continue to be used to make payments. * In her installation, Kerstin Baudis visualizes stock market prices tracked over a year and relates them to agricultural work. * Maria Blanco documented motifs from various handicraft techniques in dialogue with the inhabitants of Reckenthin and transformed them into a new visual language.

ruhe(n)

eine Inszenierung von Frédéric Krauke

„Stell dir vor, es ist Krieg und keiner geht hin!“ *

Es wird erzählt die Geschichte eines Soldaten, eines Heimkehrers und „Zurückkehrers“. Er ruht auf einem Feldbett und wird zur Waffe gerufen, doch er rührt sich nicht. Der Ruf, eine zurückhaltenden Klang-Collage aus Meeresrauschen und Wind, einem Hühnerstall, Glockenleuten, Drohnen-Geräuschen und Sirenen, getragen von einem sich Mantra ähnlich wiederholenden Textes, mischt sich mit den Geräuschen der zufällig vorbeigehenden Passanten/Passantinnen, die Dank der zwei geöffneten Fenster des ebenerdig zur Straßenkreuzung liegenden Eckraumes, dem Geschehen, oder besser gesagt, dem Ausbleiben des Geschehens beiwohnen können. Der Raum erweist sich als eine surrealistische Inszenierung einer Utopie aus Artefakten des Vergangenem und Sehnsuchtsort der Zukunft zwischen Krieg und Frieden.

Den Passanten/Passantinnen wird die Möglichkeit geben, Kommentare als Resonanz des zufällig Erfahrenen auf zwei Schreibmaschinen festzuhalten.

Der vierstündigen meditativen Inszenierung mit Abschlusshandlung folgt die Einladung in die Räumlichkeiten der Inszenierung zu treten und an einem Publikumsgespräch teilzunehmen.

ruhe(n) ist eine Inszenierung von Frédéric Krauke am Tag des Friedens oder Antikriegstag am 1. September 2024, IM GRUENEN BEREICH / IGB, Weserstraße 180, 12045 Berlin Neukölln, mit einer Klang-Collage in Zusammenarbeit mit Jonas Fehrenberg.

Gezeigt wird die Abbildung „Die Badekur der Proleten“ aus dem Buch KRIEG DEM KRIEGE von Ernst Friedrich, Seite 271, neu herausgegeben vom Anti-Kriegs-Museum Berlin, Ch. Links Verlag, Berlin 2015. Mit besten Dank für die Autorisierung der Nutzung.
https://anti-kriegs-museum.de

  • * Unter meinem Artikel „Oma Courage“ schrieb Kurt Engel folgenden Kommentar:
    „Nochmal Brecht, auch hier wurde nur der den Linken passende Satz protegiert. “Stell Dir vor, es ist Krieg und keiner geht hin – dann kommt der Krieg zu Euch! Wer zu Hause bleibt, wenn der Kampf beginnt, und läßt andere kämpfen für seine Sache, der muß sich vorsehen: Denn wer den Kampf nicht geteilt hat, der wird teilen die Niederlage. Nicht einmal Kampf vermeidet, wer den Kampf vermeiden will, denn er wird kämpfen für die Sache des Feindes, wer für seine eigene Sache nicht gekämpft hat.” Bertolt Brecht (1898-1956)“
    Die ersten Sätze dieses Textes stammen nicht von Bertolt Brecht. Der Satz „Stell Dir vor, es ist Krieg und keiner geht hin“ stammt ursprünglich von Carl August Sandburg**.

  • Aus einem Artikel von Gerd Buurmann / 13.03.2024
    https://www.achgut.com/artikel/stell_dir_vor_es_ist_krieg_und_keiner_geht_hin

  • ** http://www.quotecounterquote.com/2011/12/suppose-they-gave-war-and-nobody-came.html

E

“Imagine it is war time and nobody goes!” *

It is the story of a soldier, a home-comer, and a “returner.” He rests on a camp bed and is called to take up arms, but he does not stir. The call, a reserved sound collage of sounds of the sea and wind, a chicken coop, the ringing of bells, the noises of drones and sirens, interwoven by a text repeated in a mantralike manner, is mixed with the sounds of people incidentally passing by, who thanks to the two open windows of the ground floor corner room are able to witness the events taking place in the room, or to be more precise, the absence of goings-on. The room turns out to be a surrealistic staging of a utopia consisting of artifacts of the past and a place of longing for a future between war and peace.

Passersby will have an opportunity to record commentaries as a response to what they experience by chance on two typewriters.

The four-hour, meditative staging will be followed by the audience being invited to enter the space where the staging took place and participate in a public discussion.

ruhe (n) (rest) is a staging by Frédéric Krauke on World Peace Day, or Anti War Day, on September 1, 2024, at IM GRUENEN BEREICH / IGB, Weserstrasse 180, 12045 Berlin Neukölln, with a sound collage in cooperation with Jonas Fehrenberg.

Shown is the illustration “Die Badekur der Proleten” from the book KRIEG DEM KRIEGE by Ernst Friedrich, page 271, newly published by Anti-Kriegs-Museum Berlin, Ch. Links Verlag, Berlin 2015. With best thanks for the authorization of use.
https://anti-kriegs-museum.de

* Under my article “Oma Courage” (Grandmother Courage), Kurt Engel wrote the following commentary:

“Once again Brecht, where, also here, only the sentence relevant to leftwing thinkers was emphasized. ‘Sometimes they’ll give a war and nobody will come—then the war will come to you! Those who remain at home when the fighting begins and let others fight for their concerns, must be careful: Since those who did not take part in the war will take part in the defeat. Those who want to avoid the fighting never ever avoid the fighting, since those who do not fight for their own concerns will fight for what matters to the enemy.’ Bertolt Brecht (1898–1956)”

The first sentence of this quote does not come from Bertolt Brecht. The sentence “Sometimes they’ll give a war and nobody will come” originally comes from Carl August Sandburg**.

From an article by Gerd Buurmann / March 13, 2024
https://www.achgut.com/artikel/stell_dir_vor_es_ist_krieg_und_keiner_geht_hin

**http://www.quotecounterquote.com/2011/12/suppose-they-gave-war-and-nobody-came.html

CHANGING PERSPECTIVE Quantum Cosmos

with / mit

ellebannA

Eröffnung / Opening

Freitag / Friday, 28.06.2024 / 19 – 24 Uhr / 7 pm – midnight / Performance 22 Uhr / 10 pm

*

Öffnungszeiten / Opening hours:

Samstag / Saturday, 29.06.2024 / 15 – 24 Uhr / 3 pm – midnight / 

Konzert / concert WYNTONIKOS 19 Uhr / 7 pm,  Performance 22 Uhr / 11 pm

Sonntag / Sunday, 30.06.2024 / 15 – 19 Uhr / 3 – 7 pm / Performance 18 Uhr / 6 pm

„QUANTUM ist genau das, was wir nicht sehen, es ist das Geheimnis, das zwischen dir und mir liegt.  Es ist das zusammenhängende Teilchen, das diesen Raum füllt und uns zu einer Einheit verbindet.

    ellebannA, eine visionäre Plattform für darstellende Künste, entführt uns mit ihrer bahnbrechenden Arbeit in die fesselnde Welt des Quantenreichs, in der Kunst, Wissenschaft und Spiritualität aufeinanderprallen.

    Tauchen Sie ein in eine Welt, in der Fantasie auf Raffinesse trifft, mit einer Verschmelzung von bezaubernden Kostümen, intuitivem Tanz, experimenteller Musik, Avantgarde-Kunst und tiefgreifenden Momenten der Präsenz, die Happenings hervorbringen, die über Unterhaltung hinausgehen.

    Treffen Sie Annabelle Widmann, die Visionärin hinter ellebannA

    Annabelle Widmann, eine preisgekrönte Künstlerin aus Ibiza, gründete die Performing Art Company ellebannA und gewann den Cirque du Soleil Artisan Award für ihr Design, QUANTUM. Ihre künstlerische Alchemie verbindet visuelle Kunst, Surrealismus, Musik, Humor und Stille und lädt die Teilnehmer zum Entdecken, Interagieren und Verbinden ein.

    Annabelle, die auf der TEDx-Bühne und auf unzähligen Festivals auf der ganzen Welt aufgetreten ist, hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Freiheit des Selbstausdrucks zu fördern und andere in eine Welt einzuladen, in der Kreativität keine Grenzen kennt. Ihr einzigartiges künstlerisches Schaffen hinterlässt bei allen, die das Glück haben, es zu erleben, einen bleibenden Eindruck.

E

QUANTUM is exactly that what we don’t see, It is that mystery that lies between you and me.  It is that interconnected particle that fills this space, Binding us in unity”

ellebannA,  a visionary performing arts platform whose groundbreaking work propels us into the captivating world of the quantum realm where art, science, and spirituality collide.

Immerse yourself in a world where fantasy meets refinement, featuring a fusion of spellbound costumes, intuitive dance, experimental music, avant-garde art and profound moments of presence producing happenings that go beyond entertainment.

Meet Annabelle Widmann a visionary behind ellebannA

Annabelle, an award-winning artist from Ibiza, founded the performing art company ellebannA and won the Cirque du Soleil artisan award for her design, QUANTUM. Her artistic alchemy blends visual art, surrealism, music, humour and stillness, inviting participants to explore, interact, and connect.

Having appeared on the TEDx stage and at countless festivals around the world, Annabelle’s mission is to inspire freedom of self-expression, inviting others into a world where creativity knows no bounds. Her unique artistry leaves an imprint on those fortunate enough to experience it.

DRUMMERS

mit / with

Sun Sank Sik & Joss Turnbull

16.06.2024 – 17 Uhr / 5 pm

D

Sung Sang-sik repräsentiert das zeitgenössische koreanische Trommel- und Gesang-Genre. Er befindet sich derzeit auf Tournee in Europa. Beginnend mit der Biennale in Venedig folgten Auftritte in Dublin, Donegal, London und derzeit in Berlin. Er führt eine moderne Interpretation traditioneller koreanischer Perkussions auf, die auf klassischen Perkussionsinstrumenten und Jazz basiert, fügt Gesang und Stimme hinzu und schafft damit eine eindringlicher zeitgenössische Performance.

IM GRÜENEN BEREICH wir er von Joss Turnbull, der Doom Bak spielt begleitet.

E
Sung Sang-sik represents the contemporary Korean drumming and singing genre. He is currently on tour in Europe. Starting with the Venice Biennale, he has performed in Dublin, Donegal, London and currently in Berlin. He performs a modern interpretation of traditional Korean percussion based on classical percussion instruments and jazz, adding vocals and voice to create a haunting contemporary performance.

IM GRÜENEN BEREICH he is accompanied by Joss Turnbull, who plays Doom Bak.

MENSCHEN

von / by

Jürgen Todt

Vernissage: Freitag / Friday, 07.06.2024 / 18-22 Uhr

Öffnungszeiten / Opening hours:
Samstag / Saturday, 08.06.2024 / 13–19 Uhr
Sonntag / Sunday, 09.06.2024 / 13–19 Uhr

Die Kamera begleitet Jürgen Todt jeden Tag. Seine langjährige Arbeit als Tonmann beim Fernsehen ermöglicht ihm besondere Zugänge zu den Menschen zu finden. Er kommt ihnen nah, ohne dass dies bemerkt wird. Der Tonmann wird ausgeblendet. Er ist sichtbar unsichtbar. Er hört und sieht. Sein Beruf schenkt ihm einen besonderen Reichtum an Begegnungen mit den unterschiedlichsten Menschen, die er mit der Kamera, teilweise über Jahre fest hält.
Das tägliche Fotografieren ist Teil von ihm geworden, auf Streifzügen durch die Stadt oder bei Begegnungen mit Freund*innen.

In seiner Fotografie blickt er mit großer Zärtlichkeit, fassungslosem Erstaunen, unverhohlener Neugier und beißendem Humor auf seine Zeitgenoss*innen.
Als Betrachter*in erkenne ich mich in der tragischen Komik, in entglittenen Gesichtszügen und unkontrollierten Gefühlsausbrüchen wieder. Da ist etwas ungehemmt, ungebremst und ungefiltert und das ist irre lustvoll. Vermeintlich Indiskretes, intimes oder privates steht mit souveräner Gelassenheit da und fordert seinen Platz. Alles ist nebeneinander. Alles gehört dazu.
Einfach purer Mensch, genau wie ich. Nackter Raver, spielende Kinder, ein schmerzverzerrtes Gesicht, in den Mund gestopfte Torte, das Auflachen eines Politikers, ein verrutschtes Gebiss, Rückenverspannungen. Die Bilder kommen sehr nah ohne bloßzustellen.
Es ist als würden alle Porträtierten miteinander kommunizieren, sich gegenseitig sehen, gleichberechtigt und wunderschön.

Text: Judith Adam

The camera accompanies Jürgen Todt every day. His many years of work as a sound man for television productions has enabled him to develop new approaches to people. He comes close up to them without their noticing. The sound man is blanked out. He is visibly invisible. He listens and watches. His profession offers him an exceptional wealth of encounters with a wide range of individuals, whom he captures in photos, some of them over many years. Taking photographs every day has become part of him, whether on strolls through the city or in encounters with friends.

In his photographs, he looks at his contemporaries with great tenderness, stunned amazement, unconcealed curiosity, and biting humor. As a viewer, I recognize myself in the tragic comedy, in the slack facial features and uncontrolled emotional outbursts. There is something uninhibited, unrestrained, and unfiltered in the photos—and it is weirdly sensuous. The ostensibly indiscreet, intimate, or private stands there with confident equanimity and demands space for itself. Everything exists in parallel. Everything is part of it.
Simply pure people, just like me. Naked ravers, playing children, a face contorted with pain, cake being stuffed into someone’s mouth, a politician’s burst of laughter, slipped dentures, back pains. The pictures get up close without exposing. It is as if all the people portrayed communicate with each other, see each other, on an equal footing and wonderful.

text: Judith Adam, translation: Amy Klement

NEVER HAS THE BRIGHT OF THE SKY BEEN SO SHADOWY 

Painting exhibition | João Massano
Im Grünen Bereich
Weserstraße 180 _ May 2024

Vernissage: Donnerstag / Thursday, 23.05.2024 / 17–22 Uhr

Öffnungszeiten / Opening hours:

 Freitag / Friday, 24.05.2024 / 16–20 Uhr
Samstag / Saturday, 25.05.2024 / 14–19 Uhr
Sonntag / Sunday, 26.05.2024 / 14–19 Uhr

*

Never has the bright of the sky been so shadowy.

Bare trunks blending into oxidized steel and sharpening toward the sky or bending in upon themselves.

Gross energy is accumulated in the static state of these bodies.

Torn noises ring out in the silent fog, the breaking of one arm, the sprouting of another.

Each movement with a slow and fearless potency.

Mute echoes and mumbling screams, the rumble of this violent dialogue with the sky.


J.Massano 2024

BIOGRAPHY

João Massano is a Portuguese artist based in Lisbon.

He studied at the António Arroio Art School, where he specialized in Graphic Design.

In 2019, he graduated with a degree in Painting from the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon,

where he had the chance to explored many mediums and forms of expression such as

painting, installation, video art, and photography.

In 2017, he was the winner of a one-year scholarship at the MArts School, Lisbon,

where he had his first contact with the practice of printmaking.

Between 2019 and 2022, he developed his artistic work in a collective studio in Lisbon,

and during this period took part in several collective and individual exhibitions,

while also organizing and participating in a few residences with the association POUSIO AIR.

He is currently living in Florence, where he is studying engraving

and printmaking at the IL Bisonte Foundation.