artspace
Muthanna Idiab präsentiert:
Eröffnung am Samstag, 05. Oktober von 16:00 Uhr – 22:00 Uhr
Opening on Saturday, October 05 from 4:00 pm – 10:00 pm
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Tufting Work-shops / kunstvolle Teppiche selber knüpfen !
Bringt gerne eure Freunde mit und habt gemeinsam Spaß an der modernen Form eines tausenden Jahren alten Kunsthandwerks.
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Tufting work-shops / knot your own artistic carpets!
Bring your friends and have fun together with this modern form of a thousand-year-old handicraft.
von / from
Ana Catarina Moura
Öffnungszeiten:
Donnerstag (Eröffnung) 19-22 Uhr, Freitag, Samstag und Sonntag 16-19 Uhr.
Opening Times:
Thursday (opening) 7–10 p.m., and on Friday and Saturday and Sunday 4–7 p.m.
Going to the beach and looking at the ocean has always been part of my life. It is a way of reflecting or connecting with my deeper self. The feeling of looking at the ocean is the feeling of being connected with something that is endless and infinite – but only until Morocco.
The project On the other side of the sea is an attempt to connect with that which exists on the other side of the sea from Algarve, Portugal. Through the work, I approach and explore the visual and cultural languages of Morocco.
Ana Catarina Moura is a Portuguese artist, interested in the intersections between art, aesthetics, philosophy, curation and education.
German version (by Chat GPT):
„Zum Strand zu gehen und auf das Meer zu blicken, war schon immer ein Teil meines Lebens. Es ist eine Möglichkeit, nachzudenken und eine Verbindung zu meinem inneren Selbst herzustellen. Der Blick auf das Meer vermittelt das Gefühl, mit etwas Endlosem und Unendlichem verbunden zu sein – jedoch nur bis nach Marokko.
Das Projekt Auf der anderen Seite des Meeres ist ein Versuch, eine Verbindung zu dem herzustellen, was auf der anderen Seite des Meeres von der Algarve, Portugal, existiert. Durch diese Arbeit nähere ich mich den visuellen und kulturellen Sprachen Marokkos an und erkunde sie.“
„Ana Catarina Moura ist eine portugiesische Künstlerin, die sich für die Schnittstellen zwischen Kunst, Ästhetik, Philosophie, Kuratierung und Bildung interessiert.“
Kerstin Baudis – Sven Kalden – Maria Blanco
Gezeigt werden Werke zum Thema Geld, Wert und Wachstum.
Entstanden im Rahmen des Residenzprogramms
der Akademie für Suffizienz in Reckenthin
Works are shown on the subject of money, value, and growth.
Created as part of the residency program of
the Academy for Sufficiency in Reckenthin
VIDEO – Kerstin Baudis
TELLY – Sven Kalden
EMBROIDERY – Maria Blanco
Eröffnung / Opening
Freitag / Friday, 06.09.2024
19 Uhr / 7 p.m. – 22 Uhr / 10 p.m.
Öffnungszeiten / Opening hours:
Samstag / Saturday, 07.09.2024
14 – 18 Uhr / 2 – 6 p.m.
Sonntag / Sunday, 08.09.2024
14 – 18 Uhr / 2 – 6 p.m.
Zum dies jährigen Thema ‘Geld‘ haben Kerstin Baudis, Sven Kalden und Maria Blanco, drei Wochen in der Akademie gelebt und gearbeitet. Nach der Präsentation der Arbeiten im Rahmen des Offenen Ateliers werden die entstandenen Arbeiten nun für drei Tage im IGB zu sehen sein.
* Sven Kalden beschäftigt sich mit Kerbhölzern aus Abfallmaterialien und schlägt vor, dieses historische Zahlungsmittel weiterhin zu nutzen, um geschäftliche Vereinbarungen zu treffen. * Kerstin Baudis visualisiert in ihrer Installation über ein Jahr verfolgte Börsenkurse und setzt sie in Bezug zur landwirtschaftlichen Arbeit. * Maria Blanco dokumentierte im Austausch mit den Bewohnern von Reckenthin Motive verschiedener Handarbeitstechniken und transformierte sie in eine neue Bildsprache.
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Kerstin Baudis, Sven Kalden and Maria Blanco spent three weeks living and working at the academy on this year’s theme of “Money’.” Following the presentation of their work as part of the Open Studio, the resulting works are will now be on display for three days at the IGB.
* Sven Kalden deals with tally sticks made from waste materials and proposes that this historical means of payment should continue to be used to make payments. * In her installation, Kerstin Baudis visualizes stock market prices tracked over a year and relates them to agricultural work. * Maria Blanco documented motifs from various handicraft techniques in dialogue with the inhabitants of Reckenthin and transformed them into a new visual language.
eine Inszenierung von Frédéric Krauke
„Stell dir vor, es ist Krieg und keiner geht hin!“ *
Es wird erzählt die Geschichte eines Soldaten, eines Heimkehrers und „Zurückkehrers“. Er ruht auf einem Feldbett und wird zur Waffe gerufen, doch er rührt sich nicht. Der Ruf, eine zurückhaltenden Klang-Collage aus Meeresrauschen und Wind, einem Hühnerstall, Glockenleuten, Drohnen-Geräuschen und Sirenen, getragen von einem sich Mantra ähnlich wiederholenden Textes, mischt sich mit den Geräuschen der zufällig vorbeigehenden Passanten/Passantinnen, die Dank der zwei geöffneten Fenster des ebenerdig zur Straßenkreuzung liegenden Eckraumes, dem Geschehen, oder besser gesagt, dem Ausbleiben des Geschehens beiwohnen können. Der Raum erweist sich als eine surrealistische Inszenierung einer Utopie aus Artefakten des Vergangenem und Sehnsuchtsort der Zukunft zwischen Krieg und Frieden.
Den Passanten/Passantinnen wird die Möglichkeit geben, Kommentare als Resonanz des zufällig Erfahrenen auf zwei Schreibmaschinen festzuhalten.
Der vierstündigen meditativen Inszenierung mit Abschlusshandlung folgt die Einladung in die Räumlichkeiten der Inszenierung zu treten und an einem Publikumsgespräch teilzunehmen.
ruhe(n) ist eine Inszenierung von Frédéric Krauke am Tag des Friedens oder Antikriegstag am 1. September 2024, IM GRUENEN BEREICH / IGB, Weserstraße 180, 12045 Berlin Neukölln, mit einer Klang-Collage in Zusammenarbeit mit Jonas Fehrenberg.
Gezeigt wird die Abbildung „Die Badekur der Proleten“ aus dem Buch KRIEG DEM KRIEGE von Ernst Friedrich, Seite 271, neu herausgegeben vom Anti-Kriegs-Museum Berlin, Ch. Links Verlag, Berlin 2015. Mit besten Dank für die Autorisierung der Nutzung.
https://anti-kriegs-museum.de
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“Imagine it is war time and nobody goes!” *
It is the story of a soldier, a home-comer, and a “returner.” He rests on a camp bed and is called to take up arms, but he does not stir. The call, a reserved sound collage of sounds of the sea and wind, a chicken coop, the ringing of bells, the noises of drones and sirens, interwoven by a text repeated in a mantralike manner, is mixed with the sounds of people incidentally passing by, who thanks to the two open windows of the ground floor corner room are able to witness the events taking place in the room, or to be more precise, the absence of goings-on. The room turns out to be a surrealistic staging of a utopia consisting of artifacts of the past and a place of longing for a future between war and peace.
Passersby will have an opportunity to record commentaries as a response to what they experience by chance on two typewriters.
The four-hour, meditative staging will be followed by the audience being invited to enter the space where the staging took place and participate in a public discussion.
ruhe (n) (rest) is a staging by Frédéric Krauke on World Peace Day, or Anti War Day, on September 1, 2024, at IM GRUENEN BEREICH / IGB, Weserstrasse 180, 12045 Berlin Neukölln, with a sound collage in cooperation with Jonas Fehrenberg.
Shown is the illustration “Die Badekur der Proleten” from the book KRIEG DEM KRIEGE by Ernst Friedrich, page 271, newly published by Anti-Kriegs-Museum Berlin, Ch. Links Verlag, Berlin 2015. With best thanks for the authorization of use.
https://anti-kriegs-museum.de
* Under my article “Oma Courage” (Grandmother Courage), Kurt Engel wrote the following commentary:
“Once again Brecht, where, also here, only the sentence relevant to leftwing thinkers was emphasized. ‘Sometimes they’ll give a war and nobody will come—then the war will come to you! Those who remain at home when the fighting begins and let others fight for their concerns, must be careful: Since those who did not take part in the war will take part in the defeat. Those who want to avoid the fighting never ever avoid the fighting, since those who do not fight for their own concerns will fight for what matters to the enemy.’ Bertolt Brecht (1898–1956)”
The first sentence of this quote does not come from Bertolt Brecht. The sentence “Sometimes they’ll give a war and nobody will come” originally comes from Carl August Sandburg**.
From an article by Gerd Buurmann / March 13, 2024
https://www.achgut.com/artikel/stell_dir_vor_es_ist_krieg_und_keiner_geht_hin
**http://www.quotecounterquote.com/2011/12/suppose-they-gave-war-and-nobody-came.html
with / mit
ellebannA
Eröffnung / Opening
Freitag / Friday, 28.06.2024 / 19 – 24 Uhr / 7 pm – midnight / Performance 22 Uhr / 10 pm
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Öffnungszeiten / Opening hours:
Samstag / Saturday, 29.06.2024 / 15 – 24 Uhr / 3 pm – midnight /
Konzert / concert WYNTONIKOS 19 Uhr / 7 pm, Performance 22 Uhr / 11 pm
Sonntag / Sunday, 30.06.2024 / 15 – 19 Uhr / 3 – 7 pm / Performance 18 Uhr / 6 pm
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„QUANTUM ist genau das, was wir nicht sehen, es ist das Geheimnis, das zwischen dir und mir liegt. Es ist das zusammenhängende Teilchen, das diesen Raum füllt und uns zu einer Einheit verbindet.
ellebannA, eine visionäre Plattform für darstellende Künste, entführt uns mit ihrer bahnbrechenden Arbeit in die fesselnde Welt des Quantenreichs, in der Kunst, Wissenschaft und Spiritualität aufeinanderprallen.
Tauchen Sie ein in eine Welt, in der Fantasie auf Raffinesse trifft, mit einer Verschmelzung von bezaubernden Kostümen, intuitivem Tanz, experimenteller Musik, Avantgarde-Kunst und tiefgreifenden Momenten der Präsenz, die Happenings hervorbringen, die über Unterhaltung hinausgehen.
Treffen Sie Annabelle Widmann, die Visionärin hinter ellebannA
Annabelle Widmann, eine preisgekrönte Künstlerin aus Ibiza, gründete die Performing Art Company ellebannA und gewann den Cirque du Soleil Artisan Award für ihr Design, QUANTUM. Ihre künstlerische Alchemie verbindet visuelle Kunst, Surrealismus, Musik, Humor und Stille und lädt die Teilnehmer zum Entdecken, Interagieren und Verbinden ein.
Annabelle, die auf der TEDx-Bühne und auf unzähligen Festivals auf der ganzen Welt aufgetreten ist, hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Freiheit des Selbstausdrucks zu fördern und andere in eine Welt einzuladen, in der Kreativität keine Grenzen kennt. Ihr einzigartiges künstlerisches Schaffen hinterlässt bei allen, die das Glück haben, es zu erleben, einen bleibenden Eindruck.
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“QUANTUM is exactly that what we don’t see, It is that mystery that lies between you and me. It is that interconnected particle that fills this space, Binding us in unity”
ellebannA, a visionary performing arts platform whose groundbreaking work propels us into the captivating world of the quantum realm where art, science, and spirituality collide.
Immerse yourself in a world where fantasy meets refinement, featuring a fusion of spellbound costumes, intuitive dance, experimental music, avant-garde art and profound moments of presence producing happenings that go beyond entertainment.
Meet Annabelle Widmann a visionary behind ellebannA
Annabelle, an award-winning artist from Ibiza, founded the performing art company ellebannA and won the Cirque du Soleil artisan award for her design, QUANTUM. Her artistic alchemy blends visual art, surrealism, music, humour and stillness, inviting participants to explore, interact, and connect.
Having appeared on the TEDx stage and at countless festivals around the world, Annabelle’s mission is to inspire freedom of self-expression, inviting others into a world where creativity knows no bounds. Her unique artistry leaves an imprint on those fortunate enough to experience it.
mit / with
Sun Sank Sik & Joss Turnbull
16.06.2024 – 17 Uhr / 5 pm
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Sung Sang-sik repräsentiert das zeitgenössische koreanische Trommel- und Gesang-Genre. Er befindet sich derzeit auf Tournee in Europa. Beginnend mit der Biennale in Venedig folgten Auftritte in Dublin, Donegal, London und derzeit in Berlin. Er führt eine moderne Interpretation traditioneller koreanischer Perkussions auf, die auf klassischen Perkussionsinstrumenten und Jazz basiert, fügt Gesang und Stimme hinzu und schafft damit eine eindringlicher zeitgenössische Performance.
IM GRÜENEN BEREICH wir er von Joss Turnbull, der Doom Bak spielt begleitet.
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Sung Sang-sik represents the contemporary Korean drumming and singing genre. He is currently on tour in Europe. Starting with the Venice Biennale, he has performed in Dublin, Donegal, London and currently in Berlin. He performs a modern interpretation of traditional Korean percussion based on classical percussion instruments and jazz, adding vocals and voice to create a haunting contemporary performance.
IM GRÜENEN BEREICH he is accompanied by Joss Turnbull, who plays Doom Bak.
von / by
Jürgen Todt
Vernissage: Freitag / Friday, 07.06.2024 / 18-22 Uhr
Öffnungszeiten / Opening hours:
Samstag / Saturday, 08.06.2024 / 13–19 Uhr
Sonntag / Sunday, 09.06.2024 / 13–19 Uhr
Die Kamera begleitet Jürgen Todt jeden Tag. Seine langjährige Arbeit als Tonmann beim Fernsehen ermöglicht ihm besondere Zugänge zu den Menschen zu finden. Er kommt ihnen nah, ohne dass dies bemerkt wird. Der Tonmann wird ausgeblendet. Er ist sichtbar unsichtbar. Er hört und sieht. Sein Beruf schenkt ihm einen besonderen Reichtum an Begegnungen mit den unterschiedlichsten Menschen, die er mit der Kamera, teilweise über Jahre fest hält.
Das tägliche Fotografieren ist Teil von ihm geworden, auf Streifzügen durch die Stadt oder bei Begegnungen mit Freund*innen.
In seiner Fotografie blickt er mit großer Zärtlichkeit, fassungslosem Erstaunen, unverhohlener Neugier und beißendem Humor auf seine Zeitgenoss*innen.
Als Betrachter*in erkenne ich mich in der tragischen Komik, in entglittenen Gesichtszügen und unkontrollierten Gefühlsausbrüchen wieder. Da ist etwas ungehemmt, ungebremst und ungefiltert und das ist irre lustvoll. Vermeintlich Indiskretes, intimes oder privates steht mit souveräner Gelassenheit da und fordert seinen Platz. Alles ist nebeneinander. Alles gehört dazu.
Einfach purer Mensch, genau wie ich. Nackter Raver, spielende Kinder, ein schmerzverzerrtes Gesicht, in den Mund gestopfte Torte, das Auflachen eines Politikers, ein verrutschtes Gebiss, Rückenverspannungen. Die Bilder kommen sehr nah ohne bloßzustellen.
Es ist als würden alle Porträtierten miteinander kommunizieren, sich gegenseitig sehen, gleichberechtigt und wunderschön.
Text: Judith Adam
The camera accompanies Jürgen Todt every day. His many years of work as a sound man for television productions has enabled him to develop new approaches to people. He comes close up to them without their noticing. The sound man is blanked out. He is visibly invisible. He listens and watches. His profession offers him an exceptional wealth of encounters with a wide range of individuals, whom he captures in photos, some of them over many years. Taking photographs every day has become part of him, whether on strolls through the city or in encounters with friends.
In his photographs, he looks at his contemporaries with great tenderness, stunned amazement, unconcealed curiosity, and biting humor. As a viewer, I recognize myself in the tragic comedy, in the slack facial features and uncontrolled emotional outbursts. There is something uninhibited, unrestrained, and unfiltered in the photos—and it is weirdly sensuous. The ostensibly indiscreet, intimate, or private stands there with confident equanimity and demands space for itself. Everything exists in parallel. Everything is part of it.
Simply pure people, just like me. Naked ravers, playing children, a face contorted with pain, cake being stuffed into someone’s mouth, a politician’s burst of laughter, slipped dentures, back pains. The pictures get up close without exposing. It is as if all the people portrayed communicate with each other, see each other, on an equal footing and wonderful.
text: Judith Adam, translation: Amy Klement
Painting exhibition | João Massano
Im Grünen Bereich
Weserstraße 180 _ May 2024
Vernissage: Donnerstag / Thursday, 23.05.2024 / 17–22 Uhr
Öffnungszeiten / Opening hours:
Freitag / Friday, 24.05.2024 / 16–20 Uhr
Samstag / Saturday, 25.05.2024 / 14–19 Uhr
Sonntag / Sunday, 26.05.2024 / 14–19 Uhr
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Never has the bright of the sky been so shadowy.
Bare trunks blending into oxidized steel and sharpening toward the sky or bending in upon themselves.
Gross energy is accumulated in the static state of these bodies.
Torn noises ring out in the silent fog, the breaking of one arm, the sprouting of another.
Each movement with a slow and fearless potency.
Mute echoes and mumbling screams, the rumble of this violent dialogue with the sky.
J.Massano 2024
BIOGRAPHY
João Massano is a Portuguese artist based in Lisbon.
He studied at the António Arroio Art School, where he specialized in Graphic Design.
In 2019, he graduated with a degree in Painting from the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon,
where he had the chance to explored many mediums and forms of expression such as
painting, installation, video art, and photography.
In 2017, he was the winner of a one-year scholarship at the MArts School, Lisbon,
where he had his first contact with the practice of printmaking.
Between 2019 and 2022, he developed his artistic work in a collective studio in Lisbon,
and during this period took part in several collective and individual exhibitions,
while also organizing and participating in a few residences with the association POUSIO AIR.
He is currently living in Florence, where he is studying engraving
and printmaking at the IL Bisonte Foundation.
Anna Zakelj, Nora Wilhelm, Pia Höhfeld
Die Arbeiten sind im Rahmen des jährlichen Residenzprogramms der
Akademie für Suffizienz
entstanden, das letztes Jahr zum Thema ‚Entschleunigung‘ stattgefunden
hat.
The works were created as part of the annual residency program of the
Academy for Sufficiency which
took place last year on the topic of ‚Deceleration‘.
Öffnungszeiten:
Donnerstag, 15.02.2024 / 18:00 – 22:00 Uhr
Freitag, 16.02.2024 / 14:00 – 20:00 Uhr
Samstag, 17.02.2024 / 14:00 – 20:00 Uhr
Sonntag, 18.02.2024 / 14:00 – 20:00 Uhr
Opening times:
Thursday, 15.02.2024 / 6 – 10 pm
Friday, 16.02.2024 / 2 – 8 pm
Saturday, 17.02.2024 / 2 – 8 pm
Sunday, 18.02.2024 / 2 – 8 pm
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Anna Zakelj
Zitrusfrüchte haben in der westlichen Welt eine komplexe Geschichte. Sie
galten als exotisches Naturkunstwerk in der Wunderkammer der Medici,
wurden von der britischen Marine und der amerikanischen Armee stark
gefördert und dienten als Deckmantel für den Heroinhandel der
italienischen Mafia. Heute ist ihre Produktion die wertvollste
Obstproduktion der Welt und die Zitrusfrüchte werden wegen ihrer dicken
Schale stark exportiert. In der Rauminstallation werden Citrus Schalen
in Netzen aufgehangen und zu kleinen Patchworks zusammengenäht, die
zusammen als Teil einer neuen Wunderkammer verstanden werden
könnten. Die akribische Fertigung jedes Teilstücks impliziert
Bedächtigkeit und Wertschätzung für die Frucht, während sie gleichzeitig
eine groteske und einschränkende Kraft andeutet, die es der Schale der
Frucht erlaubt (oder sie dazu zwingt), die Logiken der industriellen
Produktion aufzugeben und schließlich zu „entschleunigen“.
Citrus in the Western world has a complex history. Regarded as an
‚exotic‘ sort of natural artwork in the Medici’s cabinet of curiosities,
sponsored heavily by the British Navy and the American Army, and used as
a cover-up for the Italian Mafia’s heroin trade, it is now the most
valuable fruit production in the world and heavily exported because of
its thick skin. In this work that same skin is caught up in gridded nets
and stitched together in a patchwork quilt, forming an installation
which resembles a new sort of ‚cabinet of curiosities‘. Each work is
meticulously made, implying a slow deliberateness and appreciation for
the fruit while simultaneously existing as a grotesque and restrictive
force which allows (or requires) the skin of the fruit to abandon the
locomotion of industrial production and finally ‚decelerate‘.
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Nora Wilhelm
Diplomarbeit Systemdesign: Matters of Mycelium
Myzel ist das Wurzelwerk von Pilzen. Es wächst unterirdisch und bildet
ein formastabiles Komposit, indem es um und in Substratteile wächst.
Als Designerin beschäftigte ich mich theoretisch wie praktisch mit der
Beziehung von Design und pilzbasierten Kompositen.
Gestaltungsdisziplin-kritische und politische Fragen werden in der
Diplomarbeit verhandelt. Die Myzelkultivierung erweist sich als äußerst
entschleunigender Faktor, da zwischen den Wachstumsphasen viel Zeit
verstreicht, in welcher das Myzel heranwächst. Doch es lohnt sich, denn
schließlich wird mensch von flauschigem weißen bis hin zu Leder
ähnelndem Pilzmyzel begrüßt.
Diploma thesis in System Design: Matters of Mycelium
Mycelium is the root system of fungi. It grows underground and forms a
dimensionally stable composite by growing around and into substrate
parts. As a designer, I occupy myself, both theoretically and
practically, with the relationship between design and fungi-based
composites. Questions critical of the design discipline as well as its
political aspects are discussed in the diploma thesis. Mycelium
cultivation has proven to be an extremely decelerating factor, as it
forces the designer to accept the naturally slow growth process of the
mycelium. But the wait is worth it, because in the end you’re greeted by
fluffy white and yet slightly leathery fungi mycelium.
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Pia Höhfeld
Während der Residenz habe ich mit vorher gesammelten Technik-Müll – von
kaputten Handys, ausrangierten Kabeln bis hin zu veralteten Trägermedien
gearbeitet, um uns die Schnelllebigkeit der digitalen Medien und ihrer
Nutzung vor Augen zu führen. Modernste Kommunikationstechnik hat viele
Vorteile und unser Leben sowie die globale Gesellschaft positiv geprägt.
Doch da wir im Durchschnitt 2,5 Stunden am Tag auf den Screen schauen,
entfremden wir uns immer mehr von der Realität. Ein neues Tempo
entsteht, das nicht mehr von biologischen oder natürlichen Prozessen
bestimmt wird, sondern von den immer schneller werden Nachrichtenzyklen
und WhatsApp-Notifikations. Daher frage ich mich: „Wie kommen wir wieder
zu Ruhe?“
During the residency, I worked with previously collected technological
remains – from broken cell phones, discarded cables to outdated physical
data media such as CDs – to illuminate the fast pace of digital and
social media. Modern communication technology has many advantages and
has had a positive impact on our individual lives as well as our global
society. But by being glued to our screens for an average of 2.5 hours a
day, we have become increasingly alienated from reality. A new pace is
emerging that is no longer determined by biological or natural
processes, but by the ever accelerating news cycles and WhatsApp
notifications. So I ask myself: “How can we slow down again?”
Laura Caetano / mix-media exhibition
Öffnungszeiten / Opening times
Vernissage: Freitag / Friday 23.06.2022 / 18:00 – 22:00 Uhr / 6 – 10 PM
Samstag / Saturday 24.06.2022 / 16:00 – 20:00 Uhr / 4 – 8 PM
Sonntag / Sunday 25.06.2022 / 16:00 – 20:00 Uhr / 4 – 8 PM
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To cut a night in half and position ourselves in its middle, to access a landscape through its fragmented half. MEIA NOITE / HALF NIGHT is an exercise in nocturnal vision and a celebration of the fictions which are created in blindness. Opaque dark windows interrupt the serene quietness of an oil painting, to disrupt the clear perception of space and perspective. A framed x-ray within the image offers the possibility of a different light. Through the dissolution, correction and juxtaposition of elements within the composition, what remains of an image is the fragments of its destruction, far away from the middle but perhaps the only image possible tonight.
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Eine Nacht in zwei Hälften zu schneiden und uns in ihrer Mitte zu positionieren, um eine Landschaft durch ihre fragmentierte Hälfte zu betreten. MEIA NOITE / HALF NIGHT ist eine Übung im nächtlichen Sehen und eine Feier der Fiktionen, die in der Blindheit entstehen. Undurchsichtige dunkle Fenster unterbrechen die heitere Ruhe eines Ölgemäldes, um die klare Wahrnehmung von Raum und Perspektive zu stören. Ein gerahmtes Röntgenbild im Bild bietet die Möglichkeit eines anderen Lichts. Durch das Auflösen, Korrigieren und Nebeneinanderstellen von Elementen innerhalb der Komposition bleiben von einem Bild die Fragmente seiner Zerstörung übrig, weit weg von der Mitte, aber vielleicht das einzig mögliche Bild heute Abend.