“WOMEN’S WORK—UNFINISHED BUSINESS”

by

TITS The Artist

** The artist will be present to speak about her work everyday during the opening hours **

Donnerstag 26.05. 19 – 22 Uhr / Thursday 7 – 10 p.m.
Freitag 27.05. 18 – 21 Uhr / Friday 6 – 9 p.m.
Samstag 28.05. 18 – 21 Uhr / Saturday 6 – 9 p.m.
Sonntag 29.05. 16 – 19 Uhr / Sunday 4 – 7 p.m.

Her exhibition, “Women’s Work —Unfinished Business,” uses symbols to communicate issues that women are still facing today. She aims to make a large patchwork that combines the mediums of painting and sewing and to cover the entire gallery space with it. The work-in-progress element of this exhibition portrays the challenges that women continue to experience in their efforts to address and resolve persisting issues, whilst patchwork is deliberately chosen as a typography/stereotype that is associated with women’s activity.

The “Women’s Work” project is inspired by the artist’s grandmother’s life, and is a loving tribute to her struggles as an individual who survived war, an abusive marriage, an inability to access contraception, poverty, and gender inequality, among others.

T.I.T.S. is a visual artist based in Berlin who works in performance art, installation, photography, painting, and research. Her journey of becoming an artist began in mid-2013 when she quit her career in finance, which included working for Australia’s largest banks. In 2015, she bought a one-way flight ticket from Sydney to Berlin on a leap of faith that paid off, since Berlin turned out to be the fertile ground for her chrysalis transformation.

www.titstheartist.com

ONE, TWO, SPRING!

Xènia Ruiz

Vernissage*| Opening: Donnerstag | Thursday, 14.4. 19–22 Uhr | 7–10 p.m.

Öffnungszeiten* | Opening Hours:

Freitags 15.04.  12 – 18 Uhr | Friday  12 – 6 p.m.

 Samstags 16.04., 17 – 20 Uhr |  Saturday  5 – 8 p.m.  

Sonntags 17.04.,  17 – 20 Uhr | Sunday  5 – 8 p.m.

Autumn tree, 2022, Oil on canvas, 80x60cm

DE:

Xènia Ruiz (Sie/sie) ist eine autodidaktische Malerin, die ursprünglich aus Barcelona stammt und derzeit in Berlin lebt. In ihrer Arbeit konzentriert sie sich auf die Darstellung einer Mischung aus ihrer Umgebung und ihrer eigenen Fantasie, in der wir oft eine Mischung aus Menschen und Blumen finden. Dies sind die Themen, die sie am meisten interessieren.   Mit dicken Linien und lebhaften Farben schafft sie eine naive Landschaft, etwas kindlich und verspielt, kontrastiert mit direkten Blicken auf die Motive, die uns in eine tiefere innere Welt führen und eine reifere Atmosphäre schaffen.  

EN:  

Xènia Ruiz (they/she). Self-Taught painter originally from Barcelona, currently based in Berlin. In her work she focuses on depicting a mixture of her surroundings and her own imagination, in which we often find a mixture of people and flowers. These are the subjects that interest her the most.


With thick lines and vivid colors she creates a naive landscape, somewhat childlike and playful, contrasted with direct glimpses of the subjects that lead us into a deeper inner world and create a more mature atmosphere.

www.xeniaruiz.com

TITS The Artist

„Women’s Work“ – residency 2021

„Women’s Work“: Shifting the Old Stereotype associated with Patchwork to Contemporary Context of Women’s Work“ is an installation study which was carried out in the month of Oct and Nov 2021 at Im Grünen Bereich Art Space in Berlin-Neukölln. The project idea came from my desire to pay tribute to the past/present works of women, especially the works that are not officially recognised. It was inspired by my grandmother’s life and hand-made quilts. She is one of my role models and a woman who survived the odds of life; the war, abusive marriage and non-accessibility to contraception among other things.
During the residency, my goal was to listen to the process and not making any final work, which earned me the insight that I could shift the old stereotype associated with patchwork to contemporary context of women’s work. Further research brought me to a picture of demonstrators holding placards of protests at the Women’s March 2017 held in Washington D.C. These colourful placards did look like a patchwork and coincidentally matched the dyes I had. By combining the patchwork pattern and social-political affairs, the installation implies that part of the women’s works today is advocacy.
The study has also presented me with different artistic ideas, of which I have started to explore after the residency. I will be continuing making and sewing the patchwork, and once it’s finished, I would like to cover the whole exhibition space with it. Further announcement for exhibitions in 2022 at www.titstheartist.com.

„KREISLÄUFE“

Alexa Kreissl, Jana Thiel und Ciara Brophy

Vernissage*| Opening: Donnerstag | Thursday, 12.8. 19–22 Uhr | 7–10 p.m.

Öffnungszeiten* | Opening Hours: 13.8.– 21.8., jeweils Freitags & Samstags 16–20 Uhr | Fridays and Saturdays 4– 8 p.m.

und | and Donnerstag 16–19 Uhr Thursday|  4–7 p.m.

Finissage* | Closing: Samstag | Wednesday, 21.9. 16–20 Uhr | 4–8 p.m.

IM GRÜNEN BEREICH – art space – Weserstraße 180 – 12045 Berlin

Die Ausstellung zeigt Arbeiten, die im Rahmen des Künstlerprogrammes in der Akademie für Suffizienz in Reckenthin entstanden sind.

Auch dieses Jahr wurden drei herausragende Bewerber*innen eingeladen, für vier Wochen in der Prignitz zu arbeiten. Alexa Kreissl, Jana Thiel und Ciara Brophy haben mit ihren interessanten Bewerbungen die Jury überzeugt und setzen sich nun mit dem diesjährigen Thema ‚Kreisläufe‘ auseinander.

Wir erleben es jedes Jahr: Im Frühling treiben Pflanzen aus, blühen und fruchten übers Jahr, ziehen sich zurück oder sterben ab, bis neue Saat im Frühling sprießt. Was so selbstverständlich ist, will uns nicht recht gelingen: Prozesse und Produkte ohne Abfall zu gestalten, die natürlichen Ressourcen in ihrem Kreislauf zu belassen. Am Sonntag laden die drei Stipendiat*innen zu einem Austausch ein über ihre Arbeit zum Thema und stehen zu Gesprächen bereit.

Jana Thiel bearbeitet in lebensbejahender Art und Weise die Frage, wie aus vermeintlich totem Material durch verschiedene Zersetzungsprozesse neues Leben entsteht. Alexa Kreissl experimentiert mit verschiedenen Rest-Materialien, um Nutzungsvorschläge zu entwerfen, die auf situative Gegebenheiten und Bedürfnisse reagieren und Wandel und Umnutzung implizieren. Ciara Brophy arbeitet am Projekt ‘Gleaned Baggage’, mit dem sie im Austausch mit der lokalen Bewohnerschaft aus Materialresten Fahrradtaschen entwickelt und Anleitungen für das Selbermachen erstellt.

Akademie für Suffizienz – nutzen, was da ist
Die Akademie für Suffizienz im ländlichen Brandenburg bietet Anregung und Raum, um Wirtschaft zu reflektieren und zu gestalten. Sie ist dafür eingerichtet, Alternativen in Produktion, Verteilung und Versorgung zu erleben. Dabei stützt sie sich auf regionalen Austausch und auf Suffizienz als Leitbild materieller Bewirtschaftung. Die Infrastruktur und die Ausstattung spiegeln diese Prinzipien, machen sie im Alltag erfahrbar.

The Akademie für Suffizienz—Use What There Is
The Akademie für Suffizienz in rural Brandenburg offers inspiration and space to reflect and create. It is set up to experience alternatives in production, distribution, and supply. In doing so, it depends on regional exchange and sufficiency as guiding principle for managing materials. The infrastructure and the equipment at the Akademie reflect these principles and make it possible to experience them in day-to-day life.

Weitere Information unter | Additional information at:

www.akademie-suffizienz.de

Kontakt: corinna.vosse@posteo.de

*Die Realisierung der Veranstaltung erfolgt gemäß der zu diesem Zeitpunkt geltenden SARS-CoV-2-Infektionsschutzverordnung des Landes Berlin

*The event takes place in accordance with the SARS-CoV-2 containment measures ordinance of the State of Berlin that is valid at this time.

Ein Sonnentänzer im Wahnsinn der Welt / A Sun Dancer in the Madness of the World

Eine Ausstelung IM GRÜNEN BEREICH zu 48 Stunden Neukölln / An exhibition IM GRÜENEN BEREICH as part of 48 Std. Neukölln

Öffnungszeiten:

Freitag, 18.06.2021 / 19:00 -23:00 Uhr

Samstag, 19.06.2021 / 16:00 – 23:00 Uhr

Sonntag, 20.06.2021 / 14:00 – 19:00 Uhr

opening times:

Friday, 2021-06-18 / 7 – 11 pm,

Saturday, 2021-06-19 / 4 – 11 pm

Sonday, 2021-06-20 / 2 – 7pm


Krauke, Frédéric
Ein Sonnentänzer im Wahnsinn der WeltFrédéric Krauke stellt sich nach seinem Studium 2002 – 2007 an der Berliner Universität der Künste bei Prof. Petrick , 2009 – 2010 Meisterschüler bei Prof. Kristahn, als Künstler und Performer mit allen seinen Kräften und Fähigkeiten rastlos dem Wahnsinn der heutigen Welt. Seine frühen nahezu altmeisterliche Zeichnungen, Radierungen und Lithografien beschreiben das bedrohliche Grauen um uns. Expressive Körper, menschliche und tierische Torsos, Gewalt, extreme Emotionen, bizarre surreale Welten stoßen ab und lassen einen gleichzeitig nicht los.
Diese dramatischen Bilder setzt Krauke später in seinen vielen Performances um. Dabei wird er selbst zum gefesselten, gehängten Torso, gräbt sich nackt sein Grab, brennt wie ein abstürzender Phoenix, geht an die existentiellen Grenzen des Seins.
Frédéric Krauke stößt mit seinem persönlichen Einsatz an die Grenzen des Erträglichen und darüber hinaus für sich, seinen Körper und für die Zuschauenden. Verstörende Performances, die einem die Sprache verschlagen, Emotionen und Assoziationen freisetzen.
Auch bei uns vergessene politische Grenzen ziehen den 1981 in West-Berlin geborenen Krauke magisch an. Während eines Aufenthaltes in der DMZ, malt er die Ausblicke dreier Fenster eines verlassenen Beobachtungsturms in der Entmilitarisierten Zone zwischen Nord- und Südkorea. Ein Jahr später birgt er die Fenster (der verbotene Ausblick nach Nord-Korea war inzwischen zertrümmert), bringt sie nach Berlin und präsentiert sie in einer stählerne Wachturm Installation im Kunsthaus Bethanien im Rahmen eines großen Projektes mit internationaler Beteiligung über das heutige Korea. Im leeren Fenster Richtung Norden installiert Frederic Krauke eine Video- Dokumentation über den Ablauf dieses Projekts.
Frédéric Krauke -international gut vernetzt- ist überzeugt, dass Performances Kunst trotz kultureller, historischer und politischer Unterschiede einen Beitrag zur Achtung der Menschlichkeit und Freiheit liefern und eine Hoffnung auf Frieden bieten kann. Ein Spruch, des von ihm hochgeschätzten Samuel Beckett bringt das ruhelose künstlerische Schaffen von Frédéric Krauke auf den Punkt: „Man muss versuchen, bis zum Äußersten ins Innere zu gehen. Der Feind des Menschen ist die Oberfläche.“
Berlin, 16.02.2020
Dr. Heinrich-Wilhelm Wörmann


Krauke, Frédéric
A Sun Dancer in the Madness of the WorldFollowing his studies at the Berlin University of the Arts with Prof. Petrick from 2002 to 2007, and his time as a master student with Prof. Kristahn from 2009 to 2010, the artist and performer
Frédéric Krauke has tirelessly focused all his energies and abilities on the madness of the world today.
His early, almost old-master-like drawings, etchings, and lithographs depict the threatening horror that surrounds us. Expressive bodies, human and animal torsos, violence, extreme emotions, and bizarre, surreal worlds repel and captivate at the same time. Krauke subsequently transposed these dramatic pictures in his many performances. In them, he himself becomes the constrained, hanged torso, digs his own grave while naked, burns like a plummeting phoenix, goes to the existential boundaries of existence.
With his personal efforts, Frédéric Krauke tests and goes beyond the limits of what is bearable for himself, his body, and for viewers. Unsettling performances that leave viewers speechless and unleash emotions and associations.
Krauke, who was born in West Berlin in 1981, is also magically attracted to political boundaries that we have forgotten. During a stay in the Demilitarized Zone, he painted the views from three windows of an abandoned observation tower in this zone between North and South Korea. One year later, he retrieved the windows (the forbidden view of North Korea had meanwhile been destroyed), brought them to Berlin, and presented them in a steel watchtower installation at the Kunsthaus Bethanien in Berlin within the framework of a large project on Korea today with participants from around the world. In the empty, north-facing window, Frederic Krauke installed a video documenting the course of this project.
Frédéric Krauke—who has cultivated contacts around the world—is convinced that performance art can provide a contribution to respect for humanity and offer freedom and hope for peace, despite cultural, historical, and political differences. A saying by Samuel Beckett, who he highly regards, puts Frédéric Krauke’s restless artistic work in a nutshell: “One must try to go inwards to the extreme. The surface is the enemy of man.”Berlin 16.02.2020Dr. Heinrich-Wilhelm Wörmann

Gastkünstler – Guestartists

HyungJun Park – South Korea
Work Title: Electric Human – Transpatent Hand
Form: Performance or Online performance

Freitag, 18.06.2021 / 20:00 -21:00 Uhr Friday, 2021-06-18 / 8 – 9 pm

LINK zum livestream:

Mathieu Slyvestre – France – live streamloop and field recording

Samstag, 19.06.2021 / 20:00 – 21:00 Uhr live stream Saterday, 2021-06-19 / 8 – 9 pm

LINK zum livestream:

Leander Geininghaus – Germany – live

Gitarrist Leander Reininghaus spielt STARSCAPES,

eine Collage aus Geräuschen und Musik,

inspiriert von den faszinierenden Bildaufnahmen von Galaxien,

Nebeln und anderen Himmelskörpern des Hubble Weltraumteleskops.

Guitarist Leander Reininghaus plays STARSCAPES,

a collage of sounds and music inspired by the fascinating images of galaxies,

nebulae and other celestial bodies taken by the Hubble Space Telescope.
Sonntag, 20.06.2021 / 18:00 – 19:00 Uhr
Sonday, 2021-06-20 / 6 – 7pm

LINK zum livestream

„Trivial things“

Agnes Wojtas – Lucas Souza – Ingrid Bittar

Vernissage*| Opening: Donnerstag | Thursday, 20.8. 19–22 Uhr | 7–10 p.m.

Öffnungszeiten* | Opening Hours: 21.8.–2.9., jeweils Freitags & Samstags 17–20 Uhr | Fridays and Saturdays 5–8 p.m. und | and Sonntags 16-19 Uhr | Sundays 4–7 p.m.

Finissage* | Closing: Mittwoch | Wednesday, 2.9. 19–21 Uhr | 7–9 p.m.

IM GRÜNEN BEREICH – art space – Weserstraße 180 – 12045 Berlin

Die Ausstellung zeigt Arbeiten, die im Rahmen des Künstlerprogramms in der Akademie für Suffizienz in Reckenthin entstanden sind. Diesmal wurde ein internationales Team eingeladen, für vier Wochen in der Prignitz zum diesjährigen Thema ‚Anstrengung‘ zu arbeiten. Viele der Arbeiten, die uns versorgen, werden heute von Maschinen verrichtet, die meist viel Energie verbrauchen – mit negativen Folgen für die Umwelt. Was ist für uns heute anstrengend, wie gehen wir mit Anstrengungen um?

Lucas Souza gestaltet skulpturale Installationen mit Textilien und strebt eine Wiederherstellung der in unserem Überkonsum verloren gegangenen Verbindung mit ihnen an. Triviale Dinge des Alltags werden von Agnes Wojtas in Kombination mit gefundenem Holz aus der Umgebung zu Objekten arrangiert. Ingrid Bittar sammelt aus der lokalen Flora und dem Boden Material, mit dem sie experimentiert, um es in der Darstellung ihrer Eindrücke von der Region zu verarbeiten.

Akademie für Suffizienz – nutzen, was da ist
Die Akademie für Suffizienz im ländlichen Brandenburg bietet Anregung und Raum, um Wirtschaft zu reflektieren und zu gestalten. Sie ist dafür eingerichtet, Alternativen in Produktion, Verteilung und Versorgung zu erleben. Dabei stützt sie sich auf regionalen Austausch und auf Suffizienz als Leitbild materieller Bewirtschaftung. Die Infrastruktur und die Ausstattung spiegeln diese Prinzipien, machen sie im Alltag erfahrbar.

********

The exhibition presents works that were created within the framework of the artists’ program at the Akademie für Suffizienz in Reckenthin.

This time, an international group was invited to work for four weeks on this year’s topic: “Effort.” Much of the work that takes care of us today is done by machines, which generally need a lot of energy—with negative consequences for the environment. What requires effort of us today and how do we deal with making an effort?

Lucas Souza designs sculptural installations with textiles and strives to reproduce the connection with them that we have lost as a result of our overconsumption. Agnes Wojtas arranges trivial things from day-to-day life in combination with found wood from the surroundings to create objects. Ingrid Bittar collects material from the local flora and the ground and experiments with it so as to process it in depicting her impressions of the region.

The Akademie für Suffizienz—Use What There Is
The Akademie für Suffizienz in rural Brandenburg offers inspiration and space to reflect and create. It is set up to experience alternatives in production, distribution, and supply. In doing so, it depends on regional exchange and sufficiency as guiding principle for managing materials. The infrastructure and the equipment at the Akademie reflect these principles and make it possible to experience them in day-to-day life.

Weitere Information unter | Additional information at:

www.akademie-suffizienz.de

Kontakt: corinna.vosse@posteo.de

Agnes Wojtas, website agneswojtas.jimdofree.com

Kontakt: agnes.wojtas@gmx.de

Lucas Souza, contact: lucas.selezio@gmail.com

Ingrid Bittar, website www.ibbritta.com

Kontakt ib@ibbritta.com

48 *h Neukölln – Yam Shalev

Fr. 19.06.2020 / 19:00 bis So. 21.06.2020 / 18:45

Post-digital surrealist painter

B. 1996 Tel Aviv, Israel

https://www.yamshalev.com/


Artist statment :

I paint to create a more positive world than the world I came from.

Although the paintings are colorful, bright, childish and fantastical, they are a direct result of a small, complex and full of land wars and conflicts, an Israeli environment where I grew up and to this day identify with its land.

Just like where I came from, the paintings on land without land, neither past, present or future, imagination and reality, positive and negative, but always a combination all.

On the technical level, I’m interested in distorting of space and narrative, light and shadow, and a healthy composition, which is the endless possibilities of the piece.

Through the variety of techniques and dimensions, as well as the use of bright and pointy colors, transitions between realistic and imaginary, the work asks the viewer to slow down and analyze the image several times from different opening points, step by step, from character to character, to get the overall picture and evaluate the whole story.

Like individual situations that converge into one complete story that can be understood in retrospect, after we scroll it several times head-on. So does the composition of the characters, shapes, dimensions and clues scattered across the canvas, in various colors and techniques, finally converging and connecting to one complete story and a retrospective message


SELECTED GROUP EXHIBITIONS :

2020 – ‚Dialogs‘, Atelier97 arte contemporanea Gallery, La Spezia, Italy

2020 – ‚Contemporary Fine Art‘, Art.Number 23 Gallery, London, United Kingdom

2019 – ‚Christmas group exhibition‘, Stiftung Starke Gallery, Berlin, Germany

2019 – ‚UNGEMUETLICH VI‘, Forum factory Gallery, Berlin, Germany

2018 – ‚Urban Artweek‘, Berlin, Germany

2017 – ‚First national epilepsy day‘, Jerusalem, Israel

2016 – Street group exhibition, Tel-Aviv, Israel



SELECTED SOLO EXHIBITIONS :

2019 – ‚Studio visit‘ ,Im Grünen Bereich Studio, Berlin, Germany

2017 – ‚Behind the faces‘, Artspace Gallery, Tel-Aviv, Israel Auszeichnungen / Preise: 

RESIDENCY :
2020 – IM GRÜNEN BEREICH, Berlin, Germany

cannibals lovers both neither

by Siobhan Leddy + Benjamin Yates

18–21th of January, 14:00–19:00h

Opening 17th of January, 18:30–21:30h

This is a story about immortal creatures. They live on moons and meteors, until their phone alarm wakes them for work. They are cannibals or lovers or both or neither


A new exhibition by Siobhan Leddy and Benjamin Yates explores the mythology and non-verbal communication of tardigrades. These microscopic creatures have survived five mass extinctions, volcanoes, ice — even outer space. At Im Grünen Bereich, humans and tardigrades collide through a generative, ever-changing sound and video installation. cannibals lovers both neither asks how humans can communicate with nonhuman life, beyond species lines. What can we learn from these ancient creatures, well adapted to survive an oncoming climate crisis?
Through visual-to-audio mapping, the wriggling choreography of tardigrades (as seen through a microscope) is translated into an immersive soundscape. Likewise, the movement of human bodies in the exhibition space will also be mapped into sound: played together this becomes a multispecies symphony. The work will also feature video microscopy and an original tardigrade mythology, adapted from Ovid’s Metamorphosis
The work is a live experiment into what has been called “mimetic communication” by theorist Anna Gibbs. Non-verbal communication exists through contagion effects, in which messages are currents that pass through and affect bodies and matter. In this work, technology acts as mediator — enabling affective translation of moving bodies into sound, which are then translated back into (human) bodies.
With special thanks to microbiologist Thomas Fromm.

48 Stunden Neukölln – 2019 Futur III: „Things will be compacted“

Fr 14.06.2019 / 19:00 bis 22:00 / 7 to 10 p.m.  

Sa 15.06.2019 / 16:00 bis 22:00 / 4 to 10 p.m.  

So 16.06.2019 / 16:00 bis 19:00 / 4 to 7 p.m.

Unsere Beitrag für 48 Stunden Neukölln in 2019 – Futur III:

„Es wird komprimierter“: Was passiert mit Kunstwerken wenn der Raum sich immer mehr verdichtet? Offene Atelier und Komprimierungsaktion  

Our contribution for 48 Stunden Neukölln in 2019 – Futur III:

„Things will be compacted“: What happens to artworks when space becomes more and more crowded? Open studios and compaction-action  

Herzliche Grüße / Kindly
Amy J. Klement & Frédéric Krauke